Umática. Revista sobre Creación y Análisis de la Imagen {issn: 2659-5354 // d.l.: ma- 1628-2018} BY-NC-SA 4.0 Resumen El texto analiza la relación simbiótica entre el arte y la moda, explorando cómo los artistas contemporáneos se insertan en el sistema de la moda y lo utilizan como un medio de expresión artística. Se analiza cómo la moda se inspira en movimientos artísticos y artistas contemporáneos, reinterpretando sus estéticas, y cómo los artistas utilizan la moda para comunicar ideas y desaﬁar los límites entre la funcionalidad y la estética. El estudio examina la inﬂuencia y fusión del arte en la creación de colecciones de moda, la transformación de los espacios comerciales en galerías de arte y la aparición de experiencias inmersivas en los desﬁles. Se destaca el uso de las nuevas tecnologías, la sostenibilidad, la ética en la producción y la representación de la diversidad corporal como temas clave en la fusión del arte y la moda. Se presenta una investigación curatorial gracias al análisis de casos concretos de artistas y diseñadores que trabajan con la fusión entre el arte y la moda, mar- cando un distanciamiento con el arte textil. Además, el texto se sostiene gracias a una metodología historicista que busca comprender las complejas relaciones entre el arte, la moda y la sociedad contemporánea. Palabras Clave: Fusión cultural; Arte y moda; Exposición inmersiva; Siﬆema de la moda; Arte textil. CÓMO CITAR ESTE TRABAJO / HOW TO CITE THIS PAPER Valverde, C., & Cisnal, R. (2025). Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transforma- ción digital. Umática. Revista sobre Creación y Análisis de la Imagen, 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2025.v8i8.21268 Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 1 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración eﬆética a la transformación digital Hybridization between art and faion: from aeﬆhetic inspiration to digital transformation Carlos Valverde  0009-0004-7280-1007 Rita Cisnal  0000-0001-5073-9880 Universidad Rey Juan Carlos (URJC), España. Universidad Rey Juan Carlos (URJC), España. Artículo original Original Article Correspondencia/ Correspondence Carlos Valverde carlos.valverde@urjc.es Financiación/Fundings Sin ﬁnanciación Received: 23.02.2025 Accepted: 30.10.2025

Abﬆra The text analyzes the symbiotic relationship between art and fashion, exploring how contempo- rary artists insert themselves into the fashion system and use it as a means of artistic expression. It looks at how fashion is inspired by contemporary art movements and artists, reinterpreting their aesthetics, and how artists use fashion to communicate ideas and challenge the boundaries between functionality and aesthetics. The study examines the inﬂuence and fusion of art in the creation of fashion collections, the transformation of commercial spaces into art galleries and the emergence of immersive experiences in fashion shows. The use of new technologies, sustainability, ethics in production and the representation of body diversity are highlighted as key themes in the fusion of art and fashion. Curatorial research is presented thanks to the analysis of concrete cases of artists and designers who work with the fusion between art and fashion, marking a distance from textile art. In addition, the text is sustained thanks to a historicist methodology that seeks to understand the complex relationships between art, fashion and contemporary society. Key Words: Cultural fusion; Art and faion; Inmersive exhibition; Faion syﬆem; Textile art. Summary – Sumario 1. Introducción 2. Metodología 3. La moda como lenguaje visual: diálogos con el arte y la construcción de signiﬁcado 4. Claves para una fusión cultural y nuevos paradigmas creativos: del arte a la moda y viceversa 4.1. Colaboraciones entre artistas y diseñadores: creando colecciones cápsula, piezas únicas y espacios híbridos 4.2. El consumo de moda y la construcción de la identidad 4.3. Convergencias en la era digital: arte, moda, tecnología e inteligencia artiﬁcial 5. Conclusiones Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 2 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area Hybridization between art and faion: from aeﬆhetic inspiration to digital transformation Carlos Valverde & Rita Cisnal Rey Juan Carlos University (URJC), Spain

1. Introducción A lo largo de la historia, el arte y la moda han mantenido una relación compleja, caracte- rizada por intercambios recíprocos a través de inﬂuencias estéticas, intercambios concep- tuales y colaboraciones creativas. A pesar de esta simbiosis, la moda, al ser deﬁnida prin- cipalmente como una industria basada en la creatividad (Jelinek, 2018; Canal Mumokviena, jun 2012), se ha enmarcado tradicionalmente en una oposición binaria jerárquica con el arte, donde ha buscado la legitimación y credibilidad intelectual de este último (Smelik y Kaiser, 2022). Esta distinción se fundamenta a menudo en la naturaleza temporal de ambos campos: mientras que el arte es percibido como atemporal, la moda está intrínsecamente ligada a lo emero y lo transitorio. Dentro de este sistema, como aﬁrma Shapiro (2019), la alta costura opera en la frontera más próxima al arte, lo que le conﬁere un mayor prestigio pues, las creaciones de alta cos- tura, muchas veces de calidad escultórica, son consideradas frecuentemente como obras de arte (Jelinek, 2018). Esta estrategia de artiﬁcación tiene como objetivo transferir el aura del mundo del arte a la marca, permitiéndole diferenciarse y justiﬁcar precios más altos (Kapferer, 2014). Si bien el arte textil y los artistas que trabajan con la moda comparten una profunda co- nexión con la materialidad, la textura y la forma, también presentan diferencias signiﬁcati- vas en sus objetivos, procesos creativos y modos de producción (González, 2024; Abad, 2024; Olano, 2023; Joly, 2012). El arte textil, como disciplina artística autónoma, se centra en la ex- ploración del potencial expresivo y conceptual de las ﬁbras, los tejidos y las técnicas textiles (Olano, 2023; Maddonni, 2021). Sus obras, que a menudo desaan las categorías tradiciona- les de la escultura, la pintura o la instalación, se caracterizan por su tactilidad, su capacidad para evocar recuerdos sensoriales y su conexión con el cuerpo y la memoria. El arte textil contemporáneo ha experimentado una revalorización en las últimas décadas, reconocién- dose su capacidad para abordar temas como la identidad, la memoria, el trauma y la críti- ca social. Por citar de largo, cabe mencionar a artistas textiles que trabajan en esta direc- ción como Sheila Hicks, Adriana Turmero y Álvaro León, Machiko Agano, Chiharu Shiota, Magdalena Abakanowicz, Christo y Jean-Claude, Katerina Grosse, Ernesto Neto, Gurjeet Singh o Lenore Tawney. Por otro lado, como apunta González (2024), los artistas que trabajan con la moda se in- sertan en un sistema complejo y dinámico que se rige por las lógicas del consumo, la ima- gen y la tendencia. Si bien la creatividad y la innovación son elementos fundamentales en la moda, su objetivo principal es la creación de prendas y accesorios que vistan el cuerpo, res- pondiendo a las necesidades estéticas y funcionales de la sociedad. En la actualidad, mu- chos artistas contemporáneos han desaﬁado los límites entre el arte y la moda, utilizando la pasarela, la performance y la instalación como espacios para la experimentación híbrida, la crítica social y el posicionamiento del cuerpo humano en ambos campos creativos. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 3 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

En el presente trabajo de investigación, nos centraremos en el sistema de la moda y el análisis, simbología y fusión con las prácticas de artistas que trabajan con él, dejando de lado, en esta ocasión el estudio del arte textil. Nuestro objetivo es comprender cómo estos artistas negocian con las lógicas del consumo y la imagen, cómo utilizan la vestimenta como un medio de expresión y fusión artística y cómo sus obras generan reﬂexiones sobre la iden- tidad, el cuerpo y la cultura contemporánea en ambos sistemas que se hibridan, comunican- do nuevos lenguajes y dando pie a nuevos medios de expresión artística entre fronteras. En esta investigación, analizaremos cómo los artistas contemporáneos se inspiran en movimientos artísticos del pasado, reinterpretando sus estéticas y adaptándolas al diseño de moda. Estudiaremos cómo los artistas utilizan la vestimenta para comunicar ideas, emocio- nes y conceptos, desaﬁando los límites entre la funcionalidad y la estética. Investigaremos cómo el cuerpo se convierte en un espacio de expresión artística tanto para los artistas que trabajan con la moda como para los diseñadores. Plantearemos cómo los artistas uti- lizan la moda para cuestionar las normas sociales, los roles de género y los sistemas de poder y delimitaremos cómo la digitalización, las redes sociales, el comercio electrónico, la tecnología y la Inteligencia Artiﬁcial (IA) han transformado la producción, la difusión y el consumo de la moda. 2. Metodología El presente estudio se fundamenta en una variedad de fuentes que abarcan tanto el ám- bito teórico como el práctico, con el ﬁn de proporcionar una comprensión exhaustiva de la compleja relación entre el arte, la moda, y su impacto en la representación del cuerpo huma- no a través del arte. La metodología curatorial empleada se caracteriza por ser interdiscipli- naria, combinando enfoque cualitativo e interpretativo para abordar las diferentes dimen- siones del problema de investigación. En cuanto a las fuentes teóricas, se recurre a investigaciones y publicaciones de diver- sas disciplinas como la historia del arte, los fashion studies, la estética, la sociología, o la ﬁlo- soa para construir un marco teórico sólido que permita contextualizar el objeto de estudio. Se incluyen libros, revistas cientíﬁcas, artículos académicos y comunicaciones que abordan temas como la construcción social del cuerpo, la fusión interdisciplinaria, la relación entre arte, moda y los efectos de la cultura del consumo en la percepción corporal. Se consultan revistas de arte, catálogos de exposiciones, desﬁles, colecciones de moda y otros materiales relacionados con la producción artística contemporánea, con el objetivo de identiﬁcar ten- dencias y estrategias empleadas por los artistas en la exploración de la relación entre arte, ciencia y tecnología, y su impacto en la representación del cuerpo. A través del análisis de ca- sos prácticos concretos de artistas y diseñadores, buscaremos comprender las complejas relaciones entre el arte, la moda, el cuerpo y la sociedad contemporánea. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 4 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

3. La moda como lenguaje visual: diálogos con el arte y la conﬆrucción de signiﬁcado La intersección entre el arte y la moda ha sido objeto de estudio y debate de forma des- tacada en los últimos tiempos. Algunos consideran que la moda es una forma de arte en sí misma, mientras que otros argumentan que es simplemente una industria comercial. Sin embargo, lo que es innegable es que la moda y el arte están intrínsecamente conectados, cada vez más, apostando por la creación y fusión de grados universitarios en dobles grados en diseño y gestión de moda con las bellas artes. La superación de la moda como un mero fenómeno comercial o frívolo para legitimarla como un objeto de estudio crítico ha sido un esfuerzo central en la literatura internacional. Valerie Steele, directora fundadora de la re- vista académica Fashion Theory, ha impulsado la idea de que la moda debe ser examinada con el mismo rigor metodológico que se aplica a la historia cultural y artística. Según Steele, la moda representa la construcción cultural de la identidad y exige un análisis que vincule ineludiblemente vestimenta, cuerpo y cultura (Roces y Steele, 2022). Este enfoque permite rastrear cómo los estilos en la moda, desde la alta costura parisina hasta las manifestacio- nes contemporáneas, reﬂejan el ideal de belleza e identidad de su respectiva época. En pa- ralelo, Wilson (2003) sostiene que la moda es una dimensión cultural intrínseca a la moder- nidad, funcionando como una forma de arte visual, por tanto, el diálogo entre arte y moda es un reﬂejo de las tensiones y ambivalencias inherentes a la cultura contemporánea. Wilson enfatizó la cualidad inquietante de las prendas de vestir cuando se observan sin cuerpo, un fenómeno que sugiere la presencia de cuerpos vivos o ausentes. Esta experiencia revela la insuﬁciencia de conceptos binarios (como vivo y muerto) para describir la naturaleza de la ropa, lo que para Barnard (2017) puede interpretarse como una manifestación de lo sublime dentro del fenómeno de la vestimenta. La moda como fenómeno cultural, se nutre de las inﬂuencias estéticas de su tiempo y, a menudo, reﬂeja las tendencias artísticas contemporáneas y viceversa, hasta tal extremo que Paz (2016) considera la moda como el octavo arte. Una relación simbólica se establece cuan- do dotamos a un objeto, acción o idea de un signiﬁcado que va más allá de su función prácti- ca o su realidad material. Este signiﬁcado se construye a través de un proceso complejo que involucra la historia, las creencias, los valores y las convenciones de una sociedad. La moda y el lujo son ejemplos claros de sistemas de signiﬁcación que se basan en la construcción de relaciones simbólicas. Las prendas, los accesorios y los productos de lujo no solo cumplen una función práctica, sino que también actúan como símbolos de estatus, identidad, perte- nencia a un grupo o estilo de vida. Analistas de nuestra era como Lipovetsky y Roux (2004) consideran que el lujo es la salvación de nuestra sociedad frente a la tendencia a lo emero, convirtiendo así el lujo en lo eterno. En el arte, la relación simbólica también juega un papel fundamental. Los artistas utilizan objetos, colores, formas y acciones para crear símbolos que evocan ideas, emociones y conceptos complejos. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 5 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

Otro modelo de arte que posee una particular relación simbólica con la moda es la obra de la artista Ana Laura Aláez. Si bien Aláez se deﬁne como escultora, su trabajo trascien- de los límites tradicionales de la disciplina al integrar elementos de la moda, la performance y la tecnología, creando una estética que explora la identidad, la superﬁcialidad y la cons- trucción del cuerpo en la sociedad contemporánea. Aláez utiliza la moda como un lenguaje para expresar la complejidad de la identidad individual y la inﬂuencia de la cultura visual en la construcción del Yo. La artista trabaja con elementos como el maquillaje, el peinado, los accesorios y la vestimenta para cuestionar los estereotipos de belleza actual y la obsesión por la apariencia. En Make up sequences (2001), Aláez se presenta a sí misma como mode- lo y soporte, mostrando una serie de transformaciones a través del maquillaje y el peina- do. La artista explora la multiplicidad de identidades que pueden construirse a través de la moda y la estética, haciendo un recurso irónico al concepto de maquillaje como una forma de pintura que moldea la imagen pública y privada. Del mismo modo, en la exposición Forma y performance (2009-2010) presentada en la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, presen- ta Cabeza – espiral – agujero – puño – esperma – nudo (imagen 1), instalación en donde in- corpora chaquetas de cuero de segunda mano usadas como peanas, despellejadas y abier- tas por la mitad a modo de cruciﬁxión. En ellas aparecen una suerte de formas escultóricas abstractas que se retuercen y salen del pecho. Esta pieza explora la compleja relación entre la moda, el deseo, la identidad y el fetiche. A través de su diálogo con la moda, Aláez invita a una reﬂexión profunda sobre la condición humana en la era de la imagen y el consumo. En su Al igual que el arte, la moda puede ser una forma de expresión personal y un reﬂejo de la identidad individual (Toribio y Álvarez-Rodríguez, 2019). La elección de ropa, accesorios y estilo puede comunicar mensajes sobre la personalidad y los valores del individuo, del mismo modo que el artista tiene las mismas alternativas para crear, comunicar y desarrollar su es- tilo único y distintivo, o el coleccionista de arte al adquirir una colección rigurosa, con criterio y altamente personal. La creciente importancia de la identidad y la imagen en la sociedad con- temporánea ha difuminado aún más las líneas entre el arte y la moda (Joly, 2012). Ambos cam- pos se han vuelto cada vez más visuales y performativos, y la moda a menudo se presenta en espacios tradicionalmente asociados con el arte, como museos y galerías (Peisajovich, 2021). Como apunta Cisnal (2024), la moda puede tomar prestados elementos del arte en términos de forma, color, textura y concepto. Los diseñadores a menudo se inspiran en movimientos artísticos, obras de arte especíﬁcas o incluso colaboran directamente con artistas. En este sentido, la moda puede considerarse como un reﬂejo del arte, pero también inversamente, reﬂejando y reinterpretando las ideas y estéticas del mundo artístico y de la sociedad actual. El arte también se ha visto fuertemente inﬂuenciado por la moda. La moda puede proporcio- nar al arte nuevos materiales, técnicas y formas de pensar sobre el cuerpo y la identidad. Un ejemplo de esta relación simbiótica se puede encontrar en el Proyecto arte y moda en Cuba (Rodríguez, 2016). En este evento, artistas y diseñadores colaboran para crear piezas que fu- sionan la moda y el arte, utilizando materiales y técnicas no convencionales. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 6 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

Figura 1. Aláez, A. L. (2008). Cabeza – espiral – agujero – puño – esperma – nudo [Instalación escultórica]. Fuente: https://www. analauraalaez.com/ obra de juventud, la artista cuestiona la superﬁcialidad y la obsesión por la apariencia que la moda puede promover, pero también reconoce su potencial como lenguaje de expresión indi- vidual y herramienta de transformación social. La relación simbólica entre el arte y la moda es bidireccional, desaﬁando las deﬁniciones tradicionales y difuminando las líneas entre lo comercial y lo artístico. La moda se ha conso- lidado como un lenguaje visual que puede comunicar ideas y emociones de forma similar al arte. En última instancia, tanto el arte como la moda son formas de expresión creativa que pueden enriquecer nuestra experiencia del mundo y desaﬁar nuestras percepciones de la belleza, la identidad y la cultura presente. Autores de reconocido prestigio han explorado la relación entre el arte y la moda. Baudrillard (1980), quien ha analizado la moda como un sis- tema de signos y consumo cultural, considera la moda como un lenguaje que simula la comu- nicación. A diferencia del lenguaje que busca transmitir un sentido, la moda se centra en una socialidad teatral y se complace en sí misma. Para él, el valor de uso o la materialidad del ob- jeto son irrelevantes; lo esencial es su valor de signo, que conﬁere prestigio y jerarquía social al consumidor. También observa que el museo y la moda surgieron simultáneamente como resultado de la reducción a un mínimo cultural simbólico. Esta equiparación es fundamen- tal para comprender el camino paralelo que están siguiendo ambos mundos pues, cada vez son más los museos que apuestan por exponer colecciones de diseñadores para consagrar sus colecciones como obra artística más allá del diseño. A su vez los museos nutren su afán de novedad mediante este tipo de muestras, capaces de comunicar a la masa. Como ejemplo muy reciente tenemos la exposición Du Cœur à la Main: Dolce&Gabbana (2025) en el Grand Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 7 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

Aras (2013) focaliza lucidamente la relación entre ambos sistemas. Si bien en un princi- pio se podía identiﬁcar un punto de encuentro en torno al ideal de belleza, esta perspectiva resulta insuﬁciente para comprender la dinámica actual entre ambos campos. Aras introdu- ce el concepto de nivelación semiótica para explicar cómo la moda, en su búsqueda de legiti- midad y permanencia, se fusiona con el arte a través de la plataforma del museo. Esta mez- cla, sin embargo, implica una desacralización del arte al subordinarlo a la lógica del consumo. Aras advierte sobre los riesgos de la fusión, donde la moda busca apropiarse del aura del arte para combatir la obsolescencia acelerada que la caracteriza. Por otro lado, tenemos al- gunos casos de artistas que, inversamente, han sucumbido a la sociedad de consumo y al ca- pitalismo. Son artistas de fama internacional y consagración institucional y muy legitimados dentro del mercado del arte. Creadores como Damien Hirst, han asociado su arte con ﬁrmas como Prada (2013), Manolo Blahnik (2002), Levi’s (2008) o The Row (2012), la marca de las fa- mosas gemelas Olsen. En estas colaboraciones podemos ver estampados los icónicos mo- tivos del artista como son puntos, calaveras o insectos en todo tipo de prendas y accesorios. También Jeﬀ Koons y Takeshi Murakami han trabajado estrechamente con la ﬁrma Louis Vuitton. Esta asociación ha conﬁgurado nuevas propuestas a caballo entre el arte, el dise- ño o la escenograa. En ese caso, ¿estamos ante un nuevo arte característico del siglo XXI? Aquí el arte de estos reconocidos creadores, está al servicio de la moda en cuanto a función utilitaria, distinto al uso que hacen otros artistas como Wim Delvoye con las marcas. En sus famosos cerdos tapizados y tatuados, Delvoye emplea el logotipo de Louis Vuitton con inten- ción irónica y exclusivamente como pieza de uso artístico. Su función es la crítica social me- diante la estrategia del apropiacionismo. Palais de París (imagen 2), diseñada por la historiadora de moda Florence Müller, desarrolla- da en diez salas inmersivas con una gran producción visual entremezclada con pinturas clá- sicas, video proyecciones y escenograa. Otra característica común entre ambos sistemas de creación se pone de maniﬁesto en el lenguaje propio, su gramática y los códigos que los caracterizan. Desde esta perspectiva, implica que la moda, al igual que el lenguaje y en todo caso, el arte, posee una estructura y reglas que permiten la creación de signiﬁcado. Aplicando este concepto a la relación entre arte y moda, podemos inferir que la moda es un sistema de signos que puede dialogar con el arte, tomando prestados elementos de su lenguaje visual y reinterpretándolos en un nuevo contexto. La moda, entonces, no sería una simple imitación del arte, sino una forma de co- municación que se nutre de sus códigos y los transforma. La artista Naia del Castillo utiliza el sistema de la moda como un elemento narrativo y reﬂexivo para sus creaciones, altamen- te simbólicas, con un marcado carácter poético, particularmente en sus series Atrapados (2000-2002), Sobre la seducción (2002-2004) y Ofrendas y posesiones (imagen 3). Su traba- jo se interpreta como una exploración de la relación de la mujer con su entorno, la construc- ción de la identidad femenina y la crítica a los roles tradicionales de género. Combalía (2004) destaca la capacidad de del Castillo para crear nuevos iconos llenos de signiﬁcado, trans- formando objetos cotidianos en sugerentes fetiches. Destaca la dicotomía presente en las Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 8 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

Figura 2. Dolce&Gabbana (2025). Exposición Du Cœur à la Main [Instalación]. Fuente: https://www. milanoﬁnanza.it/ obras, entre la presentación de la prenda como objeto artístico en sí mismo y su representa- ción fotográﬁca. Desde esta perspectiva, la obra Espacio doméstico - Silla (2000) puede in- terpretarse como una metáfora de la atadura sica y psicológica de la mujer a las labores del hogar: una pieza en clave feminista. La atadura queda representada también en obras como Las dos hermanas (2005) o Cortejo (2002). Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 9 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

Figura 3. del Castillo, N. (2005). Ofrendas y posesiones: las dos hermanas [Fotograa color. Técnica mixta 125x100 cm. Medidas variables]. Fuente: https:// naiadelcastillo.com/ Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 10 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

4. Claves para una fusión cultural y nuevos paradigmas creativos: del arte a la moda y viceversa La conexión entre el arte y la moda es una constante histórica que se ha intensiﬁcado en las últimas décadas, con el arte contemporáneo como una fuerza impulsora para la creación de colecciones. Esta inﬂuencia se observa en diversos aspectos, desde la inspiración esté- tica en la práctica artística de ambos mundos retroalimentándose, hasta la transformación de los espacios comerciales en auténticas galerías de arte. La fusión se traduce en una se- rie de tendencias clave. En primer lugar, la interdisciplinaridad, que diluye las fronteras entre el arte, la moda, el diseño y la tecnología, dando lugar a nuevas formas de expresión y expe- riencias híbridas y, en última instancia, también gracias al uso de la IA. En segundo lugar, la aparición de experiencias inmersivas como son los desﬁles, las instalaciones en tiendas y el contenido digital, diseñados para crear experiencias sensoriales que involucren las emocio- nes del público, al igual que artistas y museos ya aplicaban estas propuestas para proponer nuevos modelos expositivos. En tercer lugar, un tema capital como es la sostenibilidad, el re- ciclaje y la ética en la incorporación de nuevos materiales menos contaminantes y medios de producción sostenibles; el arte contemporáneo ha impulsado la experimentación con ma- teriales reciclados, la producción local y la importancia de la procedencia artesanal del pro- ducto, contrastando con modelos contaminantes de producción en masa que el sistema de la moda propone. Y, por último, el rumbo que el arte contemporáneo ha desaﬁado en cuanto a los cánones de belleza y la identidad, promoviendo la diversidad e inclusión de la represen- tación del cuerpo no normativo o visibilizando cuerpos disidentes, alejados del ideal de belle- za, en contraposición a un cuerpo poco saludable que la moda empleó en tendencias como la heroin chic de los años 90, o prendas como el corsé. Una vez planteados estos puntos clave, a continuación analizaremos estas tendencias. 4.1. Colaboraciones entre artistas y diseñadores: creando colecciones cápsula, piezas únicas y espacios híbridos En la actualidad la inspiración en el arte tanto clásico como contemporáneo se ha inten- siﬁcado. Diseñadores como Martin Margiela se inspiran en el minimalismo y el arte concep- tual para crear prendas vanguardistas (Nadur, 2022), Jil Sander en 2012 experimenta con las formas de Picasso, Viktor & Rolf (imagen 4), en la temporada 2015-2016 realizan una colec- ción construida con los propios marcos pictóricos, deconstruidos y expandidos, creando ver- daderas obras escultóricas. También el diseñador Miguel Marinero en la Pasarela Cibeles de 2017 se inspira en Velázquez y el Barroco o la diseñadora Phoebe Philo en 2017 trabaja con conceptos y formas del artista Yves Klein. La sinergia entre diseñadores de moda y artistas se ha convertido en una práctica habitual, dando lugar a colecciones cápsula y piezas únicas que fusionan la visión de ambos creadores. En Argentina, marcas de diseño de autor como Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 11 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

Kostüme se inspiran en el arte y colaboran con artistas locales para presentar sus coleccio- nes (Nadur, 2022). El arte contemporáneo ha inﬂuenciado la industria de la moda en su con- junto, no solo en el ámbito de las marcas de lujo, sino también en el diseño de autor. Facundo Nadur (2022), analiza la estrategia de la citada marca Kostüme, que utiliza recursos del arte para diferenciarse en el mercado. El concepto de artiﬁcación, según Kapferer (2014), reﬁere a una estrategia de marketing utilizada por marcas de moda, especialmente las de lujo, que buscan vincularse con el arte contemporáneo para crear valor, diferenciarse en el mercado Figura 4. Viktor & Rolf. (2015). Otoño 2015 en la semana de la alta costura [Desﬁle, instalación. Medidas variables]. Fuente: https:// elplanetaurbano.com/ Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

y justiﬁcar precios más altos. Esta estrategia, se basa en la idea de que el arte tiene un aura de prestigio, exclusividad y atemporalidad que se puede transferir a la moda, dotándola de un valor simbólico que va más allá de su funcionalidad. La artiﬁcación implica una serie de ac- ciones concretas, como colaboraciones con artistas para crear colecciones cápsula, piezas exclusivas, estampados originales o incluso intervenir en el diseño de sus tiendas. Se crean fundaciones de arte para apoyar a artistas emergentes, organizar exposiciones y eventos culturales, lo que les permite posicionarse como mecenas del arte. Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

También se diseñan espacios comerciales de moda como modelos híbridos de galerías ar- tísticas. Las tiendas insignia y boutiques de marcas de lujo se han convertido en espacios hete- rogéneos que incorporan elementos del arte contemporáneo. Marcial Berro, artista argentino conocido por sus joyas, ha expuesto sus creaciones en prestigiosos espacios como la Casa de la Moneda de París, difuminando la línea entre la moda y el arte (Pinto, 2013). Otro ejemplo es la Maison Hermès en Ginza, Tokio, diseñada por Renzo Piano, que dedica todo el octavo piso a una galería de arte, fusionando la experiencia de compra con la apreciación artística (Nadur, 2022). Marcas como Louis Vuitton y Prada implementan el arte como una estrategia de mer- cadotecnia colaborando con artistas. Su máximo exponente es la artista Yayoi Kusama que en 2023 Louis Vuitton emplea su arte no solo para realizar su colección, también la producción de todo el diseño de sus tiendas insignia de Tokyo, Nueva York y París, incluida la modiﬁcación de las fachadas con elementos icónicos de la propia artista. En esta colaboración, aparece Kusama en audiovisuales en pantallas 3D a gran escala, la propia imagen a tamaño natural de Kusama robótica en el escaparate pintando sus icónicos lunares, o una escultura colosal de la artista abrazando el ediﬁcio de los Campos Elíseos de París. Las marcas de lujo em- plean estratégicamente el arte para obtener la legitimidad y autenticidad que necesitan para operar en un entorno competitivo. Desde una perspectiva ética, el lujo ha sido históricamente condenado como un símbolo de corrupción moral (Kapferer, 2014). Por lo tanto, el proceso de artiﬁcación ayuda a que el lujo se legitime y se autentiﬁque, proporcionando a las marcas de moda una aprobación estética y moral que ayuda a su legitimación. Pero ¿qué ocurre cuando, inversamente, el artista transforma la galería de arte en una boutique? En Peletería humana (imagen 5), Nicola Costantino presenta aparentemente una colección de moda. Tal como describe la pieza Valverde (2018), la artista modiﬁca de forma irónica una galería de arte en una tienda de alta moda, justo en el momento en que las galerías de arte cerraban y esos mismos locales eran ocupados por casas de moda de lujo. La obra se presenta como una ironía a la funcionalidad del arte, y como una crítica a la superﬁcialidad y la obsesión por la apariencia en la sociedad contemporánea, utilizando la moda como un ve- hículo para explorar la compleja relación entre el cuerpo, la identidad y lo social. Constantino utiliza calcos de silicona para plasmar detalles del cuerpo humano, como ombligos, anos y tetillas, y los integra en prendas de vestir, creando una estética perturbadora que confron- ta al espectador con la materialidad del cuerpo. La colección de prendas de vestir realizada con calcos de piel y pelo humano, invita a reﬂexionar sobre la deshumanización del cuerpo en la moda, al presentarlo como materia prima. También recorre la relación ambigua entre el cuerpo y la vestimenta, que puede oscilar entre la protección, la ocultación y la exhibición. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 14 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

Figura 5. Costantino, N. (2000). Peletería humana [Instalación en Galería Deitch Projects, Nueva York]. Fuente: https://www.deitch.com/archive/ deitch-projects/exhibitions/human-furrier Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 15 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

4.2. El consumo de moda y la construcción de la identidad Los desﬁles de moda han trascendido su función original, convirtiéndose en experien- cias inmersivas que integran performance, instalación, videoarte y música. Peisajovich (2021) describe este fenómeno, señalando que diseñadores como Alexander McQueen, John Galliano y Hussein Chalayan, a partir de los años 90, transformaron los desﬁles en espectá- culos teatrales, utilizando la escenograa, la iluminación y la música para crear narrativas conceptuales. Asimismo, Los desﬁles de moda han evolucionado de simples presentaciones de prendas a experiencias inmersivas que incorporan elementos de performance, instala- ción, videoarte y música. En Argentina, Sergio de Loof organizó desﬁles y exposiciones en los años 90 que combinaban el arte, la moda y la performance, desaﬁando los cánones tradicio- nales de belleza y promoviendo la diversidad (Nadur, 2022). La relación entre la identidad del cuerpo humano en la pasarela y la obra de determi- nados artistas, se establece a través de la ruptura con los cánones tradicionales de belle- za y la búsqueda de una representación más diversa y real del cuerpo humano. Los estudios críticos de moda, en línea con el arte contemporáneo, deben ser más diversos e inclusi- vos, buscando activamente desmantelar las suposiciones que deﬁnen la hegemonía estéti- ca (Smelik y Kaiser, 2021). Fotógrafos como Erwin Olaf o David La Chapelle y pintoras como Elsa Soibelman, a través de sus obras, desaan estéticas imperantes en los medios de co- municación, caracterizados por la idealización de la juventud y la delgadez. Olaf presenta cuerpos de mujeres maduras, con arrugas y sin retoques digitales, evidenciando el paso del tiempo y la belleza natural. La Chapelle utiliza todo tipo de cuerpos diversos en sus composi- ciones y, del mismo modo, Soibelman, trabaja con el canon estético femenino modiﬁcando el cuerpo hacia otras formas corpóreas disidentes. Esta visión se conecta con la evolución de la performance en la pasarela, donde diseña- dores como John Galliano, Hussein Chalayan y Alexander McQueen han desaﬁado la tradi- cional presentación de modelos estáticas y han incorporado la teatralidad, el movimiento y la expresión corporal para comunicar mensajes. En la moda, la noción de doblamiento, evidente en la relación entre la modelo viviente y el vestido, genera una ansiedad sobre el yo individual y soberano que se relaciona con el concepto de lo inquietante (Evans, 2011). Los cuerpos en las pasarelas performáticas ya no son meros soportes de las prendas, sino que se convierten en actores, en transmisores de emociones e ideas. Tanto artistas como diseñadores de pasa- relas performáticas, utilizan la representación del cuerpo para comunicar un mensaje social, ya sea la crítica a la idealización de la belleza, la celebración de la diversidad o la denuncia de injusticias. La incorporación de la performance en los desﬁles permite a los modelos ex- presar emociones y narrar historias a través de sus cuerpos, alejándose de la pasividad y la rigidez tradicionales, del mismo modo que artistas de la performance están trabajando en la misma dirección. En este sentido destacaremos la presencia de la artista Pandemonia (ima- gen 6), una musa de plástico que fusiona arte y moda y no envejece, pues no tiene una iden- tidad concreta. Tras su icónica máscara de plástico, ha sido invitada a desﬁlar en la Semana Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 16 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

Figura 6. Brough, J., ODDA Magazine y Louby (2016). Pandemonia 10 tributes [Fotograa editorial]. Fuente: https:// www.designscene. net/2016/04/ pandemonia-odda- magazine.html de la Moda de París, incluso en el último desﬁle de Jean Paul Gaultier. Su presencia en la pri- mera ﬁla de los desﬁles más importantes la convierte en un referente de estilo, aunque iró- nico y provocador. Como postula Slack (2020), su trabajo ha sido expuesto en galerías de arte, demostrando su capacidad para trascender el ámbito de la moda y adentrarse en el mundo del arte conceptual. Su máscara de látex, su peluca rubia y su cuerpo inﬂado de plástico la convierten en una escultura viva, una obra de arte que camina y respira. En deﬁnitiva, es una artista que utiliza la moda como un medio para expresar su crítica a la superﬁcialidad y la obsesión por la imagen en la sociedad actual. Su trabajo desaa las fronteras, obligándonos a cuestionar nuestras propias percepciones de la belleza y la identidad. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 17 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

En este contexto de espectáculo y performance, la moda de vanguardia funciona a me- nudo como un comentario crítico. Evans (2003) analizó las tendencias de diseñadores de ﬁ- nales del siglo XX, como Alexander McQueen, John Galliano y Hussein Chalayan, quienes transformaron los desﬁles en experiencias teatrales y narrativas, identiﬁcando en sus obras signos apocalípticos mediante el uso de imágenes de muerte, decadencia y lo abyecto. Evans interpreta estas estéticas, a menudo mediadas por la fotograa provocadora, como una crí- tica a la modernidad y al capitalismo ejecutada desde el interior de la industria de la moda. Esta espectacularización plantea una tensión inestable entre el rechazo y la celebración del sistema de la moda. Así, la moda para Evans (2017) se consolida como una práctica perfor- mativa cuyo gesto y pose quedan capturados, evidenciando una conexión con la historia no lineal del movimiento y las imágenes. Algunos autores coinciden en que, históricamente, la moda al igual que el arte, han sido símbolos de estatus social como constructo identitario, especialmente en el contexto del con- sumo ostentoso de la burguesía. Lipovetsky y Roux sostienen que “con la moda se instaura la primera gran ﬁgura de un lujo absolutamente moderno, superﬁcial y gratuito, móvil, libe- rado de las potencias del pasado y de lo invisible” (2004, p. 44). Veblen (1944), argumenta que la moda en la sociedad industrial, es una expresión directa de la cultura pecuniaria y reﬂe- ja el carácter clasista de la división de la sociedad. La clase ociosa, a menudo representada por la mujer burguesa, utiliza la moda como una forma de ostentación de su riqueza, poder adquisitivo y abstención del trabajo productivo, con el objetivo de diferenciarse de las clases trabajadoras. Simmel (1988) interpreta la moda como un comportamiento de clase que se maniﬁesta en la competencia constante entre estratos, donde los grupos superiores deben abandonar una tendencia tan pronto como es adoptada por los inferiores para mantener su distinción. Analizó cómo la moda se consolidó como un factor unitivo y estructurante en el contexto del capitalismo industrial. En este marco, la moda no solo se convierte en un vehí- culo de diferenciación, sino también en un patrón a imitar esencial para la integración social. La adopción de nuevas tendencias y piezas, especialmente aquellas de alto costo, funciona como una señalización de la pertenencia a una clase social alta. Por su parte, Joly (2012), sos- tiene que, en la sociedad contemporánea, la moda ha adquirido un valor artístico y cultural. Los diseñadores de moda, al igual que los artistas, ingresan a los museos, sus creaciones son exhibidas en galerías de arte y se utilizan lenguajes artísticos en la presentación de las colec- ciones. Esta convergencia contribuye a la elevación del estatus social de la moda gracias al arte y a su legitimación como una forma de expresión cultural soﬁsticada. Echavarren apunta que la moda “era el arte de diseñar un mundo desde arriba, desde los poderosos y los ricos. Con el predominio decimonónico de la burguesía, la moda se convirtió en el arte de vestir y adornar a los burgueses, junto a los restos de la aristocracia: vestir a quien tenía dinero” (1997, p. 26). En este sentido, Valverde (2018) explora la alta costura como Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 18 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

un fenómeno que se entrelaza con el lujo, la ostentación, el reﬁnamiento y la exclusividad, trascendiendo la mera confección de prendas y convirtiéndose en un espectáculo; un arte- facto cultural que reﬂeja las dinámicas de poder, consumo e identidad en la sociedad con- temporánea. Subraya su conexión con el concepto de lujo como un símbolo de individualidad y poder y analiza, la obra Savon de corps (imagen 7) de Nicola Costantino, que se apropia de los códigos del lujo y la moda para realizar una crítica ácida a la industria de la belleza y la obsesión por el cuerpo. En esta obra, Costantino fusiona el arte, moda y lujo para crear una pieza polémica que confronta al espectador con la fragilidad del cuerpo, la artiﬁcialidad de la belleza y la ética del consumo en la era de la imagen. El cuerpo de la artista es mo- delo y materia prima; la grasa utilizada en la elaboración de los jabones provie- ne de una liposucción a la que se some- tió, evidenciando la mercantilización del cuerpo y la obsesión por la cirugía en la sociedad. Este acto radical y transgre- sor cuestiona los límites del arte. El lujo se evidencia en la presentación del ja- bón; una tirada de 100 ejemplares como una producción limitada y numerada que evoca la exclusividad característica de los artículos de alta gama. Los jabones, con forma de espalda, cintura y cade- ra femeninas, idealizadas y fragmenta- das, aluden a la cosiﬁcación del cuerpo de la mujer en la industria de la belleza y la moda. La fragancia dulce de leche con caramelo busca generar una experiencia sensorial placentera y soﬁsticada, propia de la cosmética de lujo. Asimismo, la moda, como sistema de promoción de la imagen y el consumo, se utiliza en la estrategia de lanzamiento de la obra como producto cosmético. Costantino presenta Savon de corps como un producto comercial, utilizando una estrate- gia de marketing similar a la industria cosmética. La artista juega con la idea del deseo de poseer no solo el producto, sino también la imagen y el cuerpo de la modelo, una dinámica propia del consumo de moda. Con su eslogan que dice “Toma tu baño conmigo” en francés, supuesto idioma del reﬁnamiento, invita irónicamente a que esos 100 afortunados se laven la cara con el 3% de la grasa de los glúteos de la artista. Como apunta Lipovetsky y Roux, “el lujo no se concibe si la dilapidación no se ofrece como espectáculo, si no hacen acto de presencia la mirada y la admiración del otro” (2004, p. 36). Figura 7. Costantino, N. (2004). Savon de corps [Instalación en MALBA]. Fuente: https:// nicolacostantino.com.ar/ Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 19 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

4.3. Convergencias en la era digital: arte, moda, tecnología e inteligencia artiﬁcial La irrupción de la tecnología y, más recientemente de la IA, ha supuesto otro gran cam- bio cultural. La convergencia de estas disciplinas con el arte y la moda, ha generado un nue- vo panorama creativo donde las fronteras se vuelven a difuminar y emergen nuevas formas de expresión, producción y consumo. La IA, como una herramienta poderosa, puede poten- ciar la creatividad, la innovación y la personalización en la industria de la moda, creando nue- vas formas de expresión estética y experiencias de consumo. Sin embargo, es fundamental abordar los desaos éticos y conceptuales que plantea, asegurando que su uso enriquezca el panorama creativo sin desvirtuar la esencia del arte y la moda. La introducción de la tecnología y la IA en el mundo del arte y la moda ha generado de- bates sobre la autoría, la originalidad y la mercantilización del arte. ¿Quién es el autor de una obra creada por un algoritmo? ¿Pierde el arte su aura de autenticidad al ser producido en masa por máquinas? ¿Se está utilizando la IA como una herramienta de mercadotecnia para generar un valor artiﬁcial a productos de moda? La tecnología ha actuado como un cataliza- dor en la hibridación entre arte y moda, facilitando la creación de nuevas texturas, materia- les y formas. Como postula Ruiz (2020), la introducción de la impresión 3D y el corte láser ha permitido a los diseñadores experimentar con diseños complejos y acabados innovadores, ampliando las posibilidades creativas de la indumentaria. El uso de software de diseño asis- tido por ordenador (CAD) ha optimizado los procesos de diseño, patronaje y producción, per- mitiendo una mayor precisión y eﬁciencia. Por otro lado, las plataformas digitales y las redes sociales han democratizado el acce- so a la información sobre moda y arte, creando nuevas comunidades virtuales y espacios de intercambio creativo. La cultura visual adolescente, por ejemplo, se nutre de la inﬂuencia de la industria de la moda y su difusión en las redes sociales (Toribio, 2021). Además de todo lo descrito, las marcas patrocinan ferias de arte, bienales, exposiciones y museos, asociando su imagen a la del mundo del arte. También el uso de las redes sociales y el lenguaje de la mar- ca que incorporan referencias al arte contemporáneo, utilizando un lenguaje visual similar, conceptos artísticos y colaborando con artistas digitales. La moda utiliza plataformas digi- tales y redes sociales para crear contenido visualmente impactante, inspirándose en el arte contemporáneo, colaborando con artistas visuales y experimentando con tecnologías como la realidad aumentada. Aras (2013) señala que los diseñadores se inspiran en movimientos artísticos para crear información nueva e inesperada. Los diseñadores, inspirados por la in- novación y la experimentación del arte, crean prendas y experiencias que desaan las ex- pectativas, exploran nuevos territorios y redeﬁnen nuestra forma de vestir, expresarnos y relacionarnos con el mundo. La necesidad de un análisis crítico en los estudios de moda implica deshacer las oposi- ciones binarias y la ampliación de los horizontes geográﬁcos más allá de la euromodernidad (Kaiser, 2013). Tradicionalmente, los estudios de moda han sido predominantemente euro- céntricos, un sesgo que Steele intentó desaﬁar al demostrar que la moda no es solo un fenó- Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 20 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

meno occidental (Roces, 2022). La crítica debe examinar activamente las diﬁcultades aso- ciadas con la ruptura de los regímenes coloniales y la apropiación cultural (Smelik y Kaiser, 2022). La meta a largo plazo en el campo es alcanzar una historia de la moda verdadera- mente global, donde los estudios en profundidad de diversas regiones se integren para mos- trar un intercambio cultural más amplio. En este contexto, la IA (imagen 8) se ha convertido en un nuevo actor en el escenario creativo, desaﬁando las formas tradicionales de concebir la creatividad. Los algoritmos de aprendizaje automático analizan grandes conjuntos de da- tos de imágenes, tendencias y preferencias de los consumidores, proporcionando a los dise- ñadores información valiosa para la creación de colecciones. Sin embargo, si estos grandes conjuntos de datos de imágenes utilizados para entrenar a la IA provienen de un registro his- tórico y visual que es fundamentalmente eurocéntrico, existe un riesgo inherente de que la IA estandarice conceptos estéticos occidentales. Este riesgo representa una forma de domi- nio eurocentralizado en la imagen de moda algorítmica, perpetuando inadvertidamente los estándares estéticos hegemónicos asociados a la feminidad hegemónica: blanca, burguesa, heterosexual, joven y delgada (Smelik y Kaiser, 2022). Figura 8. Fotograa de los autores (2025). S/t. [Imagen generativa realizada con IA NanoBanana]. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 21 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

5. Conusiones Esta investigación ha ahondado en la compleja relación simbiótica entre el arte y la moda, explorando cómo artistas contemporáneos se insertan en el sistema de la moda, utili- zando la vestimenta como un soporte para la expresión artística. A través de su trabajo, es- tos artistas generan reﬂexiones sobre la identidad, el cuerpo y la cultura contemporánea, y sus creaciones constituyen un medio de análisis a través del cual podemos observar las ten- siones y las transformaciones de nuestra época. El análisis realizado ha trascendido la mera descripción de los casos de hibridación estética, reforzando la necesidad de examinar la moda a través de lentes críticas como la economía, el género o el cuerpo humano. Se ha de- mostrado que la artiﬁcación, aunque estéticamente innovadora, funciona como una estrate- gia de poder económico para legitimar los altos precios de las marcas de lujo, mientras que la pasarela sigue siendo un campo de batalla para la representación corporal y el desao a la hegemonía estética dominante, aunque estas luchas se enfrentan a las limitaciones estruc- turales y ﬁnancieras de la industria. La investigación ha revelado que la relación entre el arte y la moda constituye una diná- mica relacional que se ha intensiﬁcado en las últimas décadas. La moda se nutre de las in- ﬂuencias estéticas del arte, reﬂejando y reinterpretando sus ideas y estéticas. El arte, a su vez, sucumbe a la moda, encontrando en ella nuevos materiales, técnicas, escaparates y for- mas de pensar sobre el cuerpo y la identidad. La moda se ha convertido en un lenguaje vi- sual poderoso, capaz de comunicar ideas y emociones de forma similar al arte. Al igual que el arte, la moda puede ser una forma de expresión personal y un reﬂejo de la identidad indi- vidual. Esta relación se ha intensiﬁcado en la sociedad actual, donde la identidad y la imagen juegan un papel crucial. El trabajo de Ana Laura Aláez, por ejemplo, utiliza la moda como un lenguaje para explorar la complejidad de la identidad individual y la inﬂuencia de la cultura visual en la construcción del Yo, pero también hemos analizado obras que reﬂejan la comple- jidad entre ambos territorios como la obra de Nicola Costantino. El arte contemporáneo ha impulsado la transformación de los espacios comerciales en auténticas galerías de arte. Las tiendas insignia y boutiques de marcas de lujo incorporan elementos del arte contemporáneo, fusionando la experiencia de compra con la apreciación artística. Esta tendencia se ve impulsada por la estrategia que marca nuestro presente de artiﬁcación, donde las marcas de moda buscan vincularse con el arte para crear valor. Los desﬁles de moda han evolucionado, convirtiéndose en experiencias inmersivas que integran performance, instalación, videoarte y música. Esta tendencia se conecta con la búsqueda de una representación más diversa y real del cuerpo humano en la pasarela, rompiendo con los cánones imperantes de belleza. Pensemos en los desﬁles teatrales de Alexander McQueen, que desaﬁaron las normas y exploraron nuevas formas de expresión corporal. O en la pre- sencia de la artista Pandemonia; su ﬁgura irónica y provocadora nos invita a cuestionar nuestras propias percepciones de la belleza y la identidad del cuerpo humano. Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 22 Carlos Valverde & Rita Cisnal Resear·Area

La tecnología, y más recientemente la IA, han transformado la producción, la difusión y el consumo de la moda. La IA, puede potenciar la creatividad, la innovación y la personaliza- ción en la industria de la moda. Sin embargo, su uso plantea desaos éticos y conceptuales sobre la autoría, la originalidad y la mercantilización del arte que todavía están por deﬁnir. Si bien la convergencia entre arte, moda, tecnología e IA representa un campo de experimen- tación y exploración con un enorme potencial creativo, capaz de liberar a los diseñadores de tareas repetitivas para concentrarse en la conceptualización y la innovación, es fundamental abordar el sesgo en el algoritmo occidentalizado para asegurar que esta transformación di- gital contribuya a una representación más inclusiva e interdisciplinaria de las producciones simbólicas a nivel global. Esta investigación, concebida como un proyecto curatorial, invita a reﬂexionar sobre el fu- turo de esta convergencia entre el arte y la moda. ¿Cómo seguirán los artistas desaﬁando las convenciones y utilizando la moda como un medio de expresión? ¿Qué nuevas formas de hi- bridación surgirán entre el arte, la moda, la tecnología y la IA? ¿Cómo afectará la digitalización y la globalización a la relación entre estos dos mundos? Este trabajo es solo un punto de parti- da y las preguntas que formulamos se plantean a modo de prospectiva. El futuro del arte y la moda se presenta como ámbito propicio para la experimentación, la innovación y la crítica, un espacio donde la creatividad y la reﬂexión se entrelazan para dar forma a nuevas realidades. Referencias Abad Gómez, R. (2024). Intersecciones de arte y moda. En Valverde Martínez, C., Cisnal Herrero, R. y González Villanueva, L. Mª. (Coords.). Reﬂexiones de moda y arte, hoy. (pp. 34-43). ICONO14 Editorial. https://hdl.handle. net/10115/53077 Aras, R. E. (2013). Arte y moda: ¿fusión o encuentro? Reﬂexiones ﬁlosóﬁcas. Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación, 44, 59-70. https://doi.org/10.18682/cdc.vi44 Barnard, M. (2017). The body, the garment and the Kantian sublime in fashion. Critical Studies in Fashion & Beauty, 8(1), 19-41. https://hdl.handle.net/2134/25915 Baudrillard, J. (1980). El intercambio simbólico y la muerte. Monte Ávila. Canal Mumokvienna. (28 de junio de 2012). Valerie Steele, Is fashion art? [Archivo de video]. Youtube. https://youtu. be/weB-SQ-XP-c Cisnal Herrero, R. (2024). El impacto del color como herramienta en la moda: explorando su inﬂuencia psicológica y estética en el diseño y la percepción. En Valverde Martínez, C., Cisnal Herrero, R. y González Villanueva, L. Mª. (Coords.). Reﬂexiones de moda y arte, hoy. (pp. 54-65). ICONO14 Editorial. https://hdl.handle.net/10115/53077 Combalia, V. (2004). Trampas y seducción (texto curatorial). Sala Alcalá 31, Madrid. Recuperado de: https:// naiadelcastillo.com/Victoria-Combalia Echavarren, R. (1997). Arte andrógino. estilo versus moda en un siglo corto. Buenos Aires: Colihue. Evans, C. (2003). Fashion at the edge: Spectacle, modernity and deathliness. Editorial Yale University Press. Evans, C. (2011). The ontology of the fashion model. AA Files, 63, 56-69. https://www.jstor.org/stable/41337476 Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268 23 Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital Resear·Area

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