BY-NC-SA 4.0  
Umática. Revista sobre Creación y Análisis de la Imagen  
{issn: 2659-5354 // d.l.: ma- 1628-2018}  
Hibridación entre el arte y la  
moda: de la inspiración estética  
a la transformación digital  
Hybridization between art and fasion: from aesthetic inspiration to digital transformation  
Carlos Valverde o 0009-0004-7280-1007  
Rita Cisnal o 0000-0001-5073-9880  
Universidad Rey Juan Carlos (URJC), España.  
Universidad Rey Juan Carlos (URJC), España.  
Resumen  
Artículo original  
Original Article  
El texto analiza la relación simbiótica entre el arte y la moda, explorando cómo los artistas  
contemporáneos se insertan en el sistema de la moda y lo utilizan como un medio de expresión  
artística. Se analiza cómo la moda se inspira en movimientos artísticos y artistas contemporáneos,  
reinterpretando sus estéticas, y cómo los artistas utilizan la moda para comunicar ideas y desafiar  
los límites entre la funcionalidad y la estética. El estudio examina la influencia y fusión del arte en la  
creación de colecciones de moda, la transformación de los espacios comerciales en galerías de arte  
y la aparición de experiencias inmersivas en los desfiles. Se destaca el uso de las nuevas tecnologías,  
la sostenibilidad, la ética en la producción y la representación de la diversidad corporal como temas  
clave en la fusión del arte y la moda. Se presenta una investigación curatorial gracias al análisis de  
casos concretos de artistas y diseñadores que trabajan con la fusión entre el arte y la moda, mar-  
cando un distanciamiento con el arte textil. Además, el texto se sostiene gracias a una metodología  
historicista que busca comprender las complejas relaciones entre el arte, la moda y la sociedad  
contemporánea.  
Correspondencia/  
Correspondence  
Carlos Valverde  
carlos.valverde@urjc.es  
Financiación/Fundings  
Sin financiación  
Received: 23.02.2025  
Accepted: 30.10.2025  
Palabras Clave: Fusión cultural; Arte y moda; Exposición inmersiva; Sistema de la moda; Arte textil.  
CÓMO CITAR ESTE TRABAJO / HOW TO CITE THIS PAPER  
Valverde, C., & Cisnal, R. (2025). Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transforma-  
ción digital. Umática. Revista sobre Creación y Análisis de la Imagen, 8.  
https://doi.org/10.24310/Umatica.2025.v8i8.21268  
Umática. 2025; 8. https://doi.org/10.24310/Umatica.2024.v8i8.21268  
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ResearchArea  
Carlos Valverde & Rita Cisnal  
Hybridization between art and fasion: from aesthetic inspiration to  
digital transformation  
Carlos Valverde & Rita Cisnal  
Rey Juan Carlos University (URJC), Spain  
Abstrac  
The text analyzes the symbiotic relationship between art and fashion, exploring how contempo-  
rary artists insert themselves into the fashion system and use it as a means of artistic expression.  
It looks at how fashion is inspired by contemporary art movements and artists, reinterpreting their  
aesthetics, and how artists use fashion to communicate ideas and challenge the boundaries between  
functionality and aesthetics. The study examines the influence and fusion of art in the creation of  
fashion collections, the transformation of commercial spaces into art galleries and the emergence  
of immersive experiences in fashion shows. The use of new technologies, sustainability, ethics in  
production and the representation of body diversity are highlighted as key themes in the fusion of  
art and fashion. Curatorial research is presented thanks to the analysis of concrete cases of artists  
and designers who work with the fusion between art and fashion, marking a distance from textile  
art. In addition, the text is sustained thanks to a historicist methodology that seeks to understand the  
complex relationships between art, fashion and contemporary society.  
Key Words: Cultural fusion; Art and fasion; Inmersive exhibition; Fasion system; Textile art.  
Summary – Sumario  
1. Introducción  
2. Metodología  
3. La moda como lenguaje visual: diálogos con el arte y la construcción de significado  
4. Claves para una fusión cultural y nuevos paradigmas creativos: del arte a la moda y  
viceversa  
4.1. Colaboraciones entre artistas y diseñadores: creando colecciones cápsula, piezas  
únicas y espacios híbridos  
4.2. El consumo de moda y la construcción de la identidad  
4.3. Convergencias en la era digital: arte, moda, tecnología e inteligencia artificial  
5. Conclusiones  
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Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital  
1. Introducción  
ResearchArea  
A lo largo de la historia, el arte y la moda han mantenido una relación compleja, caracte-  
rizada por intercambios recíprocos a través de influencias estéticas, intercambios concep-  
tuales y colaboraciones creativas. A pesar de esta simbiosis, la moda, al ser definida prin-  
cipalmente como una industria basada en la creatividad (Jelinek, 2018; Canal Mumokviena,  
jun 2012), se ha enmarcado tradicionalmente en una oposición binaria jerárquica con el arte,  
donde ha buscado la legitimación y credibilidad intelectual de este último (Smelik y Kaiser,  
2022). Estadistinciónsefundamentaamenudoenlanaturalezatemporaldeamboscampos:  
mientras que el arte es percibido como atemporal, la moda está intrínsecamente ligada a lo  
efmero y lo transitorio.  
Dentro de este sistema, como afirma Shapiro (2019), la alta costura opera en la frontera  
más próxima al arte, lo que le confiere un mayor prestigio pues, las creaciones de alta cos-  
tura, muchas veces de calidad escultórica, son consideradas frecuentemente como obras  
de arte (Jelinek, 2018). Esta estrategia de artificación tiene como objetivo transferir el aura  
del mundo del arte a la marca, permitiéndole diferenciarse y justificar precios más altos  
(Kapferer, 2014).  
Si bien el arte textil y los artistas que trabajan con la moda comparten una profunda co-  
nexión con la materialidad, la textura y la forma, también presentan diferencias significati-  
vas en sus objetivos, procesos creativos y modos de producción (González, 2024; Abad, 2024;  
Olano, 2023; Joly, 2012). El arte textil, como disciplina artística autónoma, se centra en la ex-  
ploración del potencial expresivo y conceptual de las fibras, los tejidos y las técnicas textiles  
(Olano, 2023; Maddonni, 2021). Sus obras, que a menudo desafan las categorías tradiciona-  
les de la escultura, la pintura o la instalación, se caracterizan por su tactilidad, su capacidad  
para evocar recuerdos sensoriales y su conexión con el cuerpo y la memoria. El arte textil  
contemporáneo ha experimentado una revalorización en las últimas décadas, reconocién-  
dose su capacidad para abordar temas como la identidad, la memoria, el trauma y la críti-  
ca social. Por citar de largo, cabe mencionar a artistas textiles que trabajan en esta direc-  
ción como Sheila Hicks, Adriana Turmero y Álvaro León, Machiko Agano, Chiharu Shiota,  
Magdalena Abakanowicz, Christo y Jean-Claude, Katerina Grosse, Ernesto Neto, Gurjeet  
Singh o Lenore Tawney.  
Por otro lado, como apunta González (2024), los artistas que trabajan con la moda se in-  
sertan en un sistema complejo y dinámico que se rige por las lógicas del consumo, la ima-  
gen y la tendencia. Si bien la creatividad y la innovación son elementos fundamentales en la  
moda, su objetivo principal es la creación de prendas y accesorios que vistan el cuerpo, res-  
pondiendo a las necesidades estéticas y funcionales de la sociedad. En la actualidad, mu-  
chos artistas contemporáneos han desafiado los límites entre el arte y la moda, utilizando la  
pasarela, la performance y la instalación como espacios para la experimentación híbrida, la  
crítica social y el posicionamiento del cuerpo humano en ambos campos creativos.  
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En el presente trabajo de investigación, nos centraremos en el sistema de la moda y el  
análisis, simbología y fusión con las prácticas de artistas que trabajan con él, dejando de  
lado, en esta ocasión el estudio del arte textil. Nuestro objetivo es comprender cómo estos  
artistas negocian con las lógicas del consumo y la imagen, cómo utilizan la vestimenta como  
un medio de expresión y fusión artística y cómo sus obras generan reflexiones sobre la iden-  
tidad, el cuerpo y la cultura contemporánea en ambos sistemas que se hibridan, comunican-  
do nuevos lenguajes y dando pie a nuevos medios de expresión artística entre fronteras.  
En esta investigación, analizaremos cómo los artistas contemporáneos se inspiran en  
movimientosartísticosdelpasado, reinterpretandosusestéticasyadaptándolasaldiseñode  
moda. Estudiaremos cómo los artistas utilizan la vestimenta para comunicar ideas, emocio-  
nes y conceptos, desafiando los límites entre la funcionalidad y la estética. Investigaremos  
cómo el cuerpo se convierte en un espacio de expresión artística tanto para los artistas  
que trabajan con la moda como para los diseñadores. Plantearemos cómo los artistas uti-  
lizan la moda para cuestionar las normas sociales, los roles de género y los sistemas de  
poder y delimitaremos cómo la digitalización, las redes sociales, el comercio electrónico,  
la tecnología y la Inteligencia Artificial (IA) han transformado la producción, la difusión y  
el consumo de la moda.  
2. Metodología  
Elpresenteestudiosefundamentaenunavariedaddefuentesqueabarcantantoelám-  
bito teórico como el práctico, con el fin de proporcionar una comprensión exhaustiva de la  
compleja relación entre el arte, la moda, y su impacto en la representación del cuerpo huma-  
no a través del arte. La metodología curatorial empleada se caracteriza por ser interdiscipli-  
naria, combinando enfoque cualitativo e interpretativo para abordar las diferentes dimen-  
siones del problema de investigación.  
En cuanto a las fuentes teóricas, se recurre a investigaciones y publicaciones de diver-  
sas disciplinas como la historia del arte, los fashion studies, la estética, la sociología, o la filo-  
sofa para construir un marco teórico sólido que permita contextualizar el objeto de estudio.  
Se incluyen libros, revistas científicas, artículos académicos y comunicaciones que abordan  
temas como la construcción social del cuerpo, la fusión interdisciplinaria, la relación entre  
arte, moda y los efectos de la cultura del consumo en la percepción corporal. Se consultan  
revistas de arte, catálogos de exposiciones, desfiles, colecciones de moda y otros materiales  
relacionados con la producción artística contemporánea, con el objetivo de identificar ten-  
dencias y estrategias empleadas por los artistas en la exploración de la relación entre arte,  
cienciaytecnología, ysuimpactoenlarepresentacióndelcuerpo. Atravésdelanálisisdeca-  
sos prácticos concretos de artistas y diseñadores, buscaremos comprender las complejas  
relaciones entre el arte, la moda, el cuerpo y la sociedad contemporánea.  
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3.Lamodacomolenguajevisual:diálogosconelarteylaconstrucción  
de significado  
La intersección entre el arte y la moda ha sido objeto de estudio y debate de forma des-  
tacada en los últimos tiempos. Algunos consideran que la moda es una forma de arte en sí  
misma, mientras que otros argumentan que es simplemente una industria comercial. Sin  
embargo, lo que es innegable es que la moda y el arte están intrínsecamente conectados,  
cada vez más, apostando por la creación y fusión de grados universitarios en dobles grados  
en diseño y gestión de moda con las bellas artes. La superación de la moda como un mero  
fenómeno comercial o frívolo para legitimarla como un objeto de estudio crítico ha sido un  
esfuerzo central en la literatura internacional. Valerie Steele, directora fundadora de la re-  
vista académica Fashion Theory, ha impulsado la idea de que la moda debe ser examinada  
con el mismo rigor metodológico que se aplica a la historia cultural y artística. Según Steele,  
la moda representa la construcción cultural de la identidad y exige un análisis que vincule  
ineludiblemente vestimenta, cuerpo y cultura (Roces y Steele, 2022). Este enfoque permite  
rastrear cómo los estilos en la moda, desde la alta costura parisina hasta las manifestacio-  
nes contemporáneas, reflejan el ideal de belleza e identidad de su respectiva época. En pa-  
ralelo, Wilson (2003) sostiene que la moda es una dimensión cultural intrínseca a la moder-  
nidad, funcionando como una forma de arte visual, por tanto, el diálogo entre arte y moda es  
un reflejo de las tensiones y ambivalencias inherentes a la cultura contemporánea. Wilson  
enfatizó la cualidad inquietante de las prendas de vestir cuando se observan sin cuerpo, un  
fenómeno que sugiere la presencia de cuerpos vivos o ausentes. Esta experiencia revela la  
insuficiencia de conceptos binarios (como vivo y muerto) para describir la naturaleza de la  
ropa, lo que para Barnard (2017) puede interpretarse como una manifestación de lo sublime  
dentro del fenómeno de la vestimenta.  
La moda como fenómeno cultural, se nutre de las influencias estéticas de su tiempo y, a  
menudo, reflejalastendenciasartísticascontemporáneasyviceversa, hastatalextremoque  
Paz (2016) considera la moda como el octavo arte. Una relación simbólica se establece cuan-  
do dotamos a un objeto, acción o idea de un significado que va más allá de su función prácti-  
ca o su realidad material. Este significado se construye a través de un proceso complejo que  
involucra la historia, las creencias, los valores y las convenciones de una sociedad. La moda  
y el lujo son ejemplos claros de sistemas de significación que se basan en la construcción de  
relaciones simbólicas. Las prendas, los accesorios y los productos de lujo no solo cumplen  
una función práctica, sino que también actúan como símbolos de estatus, identidad, perte-  
nencia a un grupo o estilo de vida. Analistas de nuestra era como Lipovetsky y Roux (2004)  
consideran que el lujo es la salvación de nuestra sociedad frente a la tendencia a lo efmero,  
convirtiendo así el lujo en lo eterno. En el arte, la relación simbólica también juega un papel  
fundamental. Los artistas utilizan objetos, colores, formas y acciones para crear símbolos  
que evocan ideas, emociones y conceptos complejos.  
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Al igual que el arte, la moda puede ser una forma de expresión personal y un reflejo de  
la identidad individual (Toribio y Álvarez-Rodríguez, 2019). La elección de ropa, accesorios y  
estilopuedecomunicarmensajessobrelapersonalidadylosvaloresdelindividuo, delmismo  
modo que el artista tiene las mismas alternativas para crear, comunicar y desarrollar su es-  
tiloúnicoydistintivo, oelcoleccionistadeartealadquirirunacolecciónrigurosa, concriterioy  
altamentepersonal. Lacrecienteimportanciadelaidentidadylaimagenenlasociedadcon-  
temporáneahadifuminadoaúnmáslaslíneasentreelarteylamoda(Joly,2012).Amboscam-  
possehanvueltocadavezmásvisualesyperformativos, ylamodaamenudosepresentaen  
espacios tradicionalmente asociados con el arte, como museos y galerías (Peisajovich, 2021).  
Como apunta Cisnal (2024), la moda puede tomar prestados elementos del arte en términos  
de forma, color, textura y concepto. Los diseñadores a menudo se inspiran en movimientos  
artísticos, obras de arte específicas o incluso colaboran directamente con artistas. En este  
sentido, la moda puede considerarse como un reflejo del arte, pero también inversamente,  
reflejando y reinterpretando las ideas y estéticas del mundo artístico y de la sociedad actual.  
Elartetambiénsehavistofuertementeinfluenciadoporlamoda. Lamodapuedeproporcio-  
nar al arte nuevos materiales, técnicas y formas de pensar sobre el cuerpo y la identidad. Un  
ejemplo de esta relación simbiótica se puede encontrar en el Proyecto arte y moda en Cuba  
(Rodríguez, 2016). Enesteevento, artistasydiseñadorescolaboranparacrearpiezasquefu-  
sionan la moda y el arte, utilizando materiales y técnicas no convencionales.  
Otro modelo de arte que posee una particular relación simbólica con la moda es la obra  
de la artista Ana Laura Aláez. Si bien Aláez se define como escultora, su trabajo trascien-  
de los límites tradicionales de la disciplina al integrar elementos de la moda, la performance  
y la tecnología, creando una estética que explora la identidad, la superficialidad y la cons-  
trucción del cuerpo en la sociedad contemporánea. Aláez utiliza la moda como un lenguaje  
para expresar la complejidad de la identidad individual y la influencia de la cultura visual en  
la construcción del Yo. La artista trabaja con elementos como el maquillaje, el peinado, los  
accesorios y la vestimenta para cuestionar los estereotipos de belleza actual y la obsesión  
por la apariencia. En Make up sequences (2001), Aláez se presenta a sí misma como mode-  
lo y soporte, mostrando una serie de transformaciones a través del maquillaje y el peina-  
do. La artista explora la multiplicidad de identidades que pueden construirse a través de la  
moda y la estética, haciendo un recurso irónico al concepto de maquillaje como una forma  
de pintura que moldea la imagen pública y privada. Del mismo modo, en la exposición Forma  
y performance (2009-2010) presentada en la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, presen-  
ta Cabeza – espiral – agujero – puño – esperma – nudo (imagen 1), instalación en donde in-  
corpora chaquetas de cuero de segunda mano usadas como peanas, despellejadas y abier-  
tas por la mitad a modo de crucifixión. En ellas aparecen una suerte de formas escultóricas  
abstractas que se retuercen y salen del pecho. Esta pieza explora la compleja relación entre  
la moda, el deseo, la identidad y el fetiche. A través de su diálogo con la moda, Aláez invita a  
una reflexión profunda sobre la condición humana en la era de la imagen y el consumo. En su  
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Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital  
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Figura 1. Aláez, A.  
L. (2008). Cabeza  
– espiral – agujero  
– puño – esperma  
– nudo [Instalación  
escultórica]. Fuente:  
https://www.  
analauraalaez.com/  
obra de juventud, la artista cuestiona la superficialidad y la obsesión por la apariencia que la  
moda puede promover, pero también reconoce su potencial como lenguaje de expresión indi-  
vidual y herramienta de transformación social.  
Larelaciónsimbólicaentreelarteylamodaesbidireccional, desafiandolasdefiniciones  
tradicionales y difuminando las líneas entre lo comercial y lo artístico. La moda se ha conso-  
lidado como un lenguaje visual que puede comunicar ideas y emociones de forma similar al  
arte. En última instancia, tanto el arte como la moda son formas de expresión creativa que  
pueden enriquecer nuestra experiencia del mundo y desafiar nuestras percepciones de la  
belleza, la identidad y la cultura presente. Autores de reconocido prestigio han explorado la  
relación entre el arte y la moda. Baudrillard (1980), quien ha analizado la moda como un sis-  
temadesignosyconsumocultural, consideralamodacomounlenguajequesimulalacomu-  
nicación. A diferencia del lenguaje que busca transmitir un sentido, la moda se centra en una  
socialidad teatral y se complace en sí misma. Para él, el valor de uso o la materialidad del ob-  
jeto son irrelevantes; lo esencial es su valor de signo, que confiere prestigio y jerarquía social  
al consumidor. También observa que el museo y la moda surgieron simultáneamente como  
resultado de la reducción a un mínimo cultural simbólico. Esta equiparación es fundamen-  
tal para comprender el camino paralelo que están siguiendo ambos mundos pues, cada vez  
son más los museos que apuestan por exponer colecciones de diseñadores para consagrar  
sus colecciones como obra artística más allá del diseño. A su vez los museos nutren su afán  
de novedad mediante este tipo de muestras, capaces de comunicar a la masa. Como ejemplo  
muy reciente tenemos la exposición Du Cœur à la Main: Dolce&Gabbana (2025) en el Grand  
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Palais de París (imagen 2), diseñada por la historiadora de moda Florence Müller, desarrolla-  
da en diez salas inmersivas con una gran producción visual entremezclada con pinturas clá-  
sicas, video proyecciones y escenografa.  
Aras (2013) focaliza lucidamente la relación entre ambos sistemas. Si bien en un princi-  
pio se podía identificar un punto de encuentro en torno al ideal de belleza, esta perspectiva  
resulta insuficiente para comprender la dinámica actual entre ambos campos. Aras introdu-  
ce el concepto de nivelación semiótica para explicar cómo la moda, en su búsqueda de legiti-  
midad y permanencia, se fusiona con el arte a través de la plataforma del museo. Esta mez-  
cla, sinembargo, implicaunadesacralizacióndelartealsubordinarloalalógicadelconsumo.  
Aras advierte sobre los riesgos de la fusión, donde la moda busca apropiarse del aura del  
arte para combatir la obsolescencia acelerada que la caracteriza. Por otro lado, tenemos al-  
gunoscasosdeartistasque, inversamente, hansucumbidoalasociedaddeconsumoyalca-  
pitalismo. Son artistas de fama internacional y consagración institucional y muy legitimados  
dentro del mercado del arte. Creadores como Damien Hirst, han asociado su arte con firmas  
como Prada (2013), Manolo Blahnik (2002), Levi’s (2008) o The Row (2012), la marca de las fa-  
mosas gemelas Olsen. En estas colaboraciones podemos ver estampados los icónicos mo-  
tivos del artista como son puntos, calaveras o insectos en todo tipo de prendas y accesorios.  
También Jeff Koons y Takeshi Murakami han trabajado estrechamente con la firma Louis  
Vuitton. Esta asociación ha configurado nuevas propuestas a caballo entre el arte, el dise-  
ño o la escenografa. En ese caso, ¿estamos ante un nuevo arte característico del siglo XXI?  
Aquí el arte de estos reconocidos creadores, está al servicio de la moda en cuanto a función  
utilitaria, distinto al uso que hacen otros artistas como Wim Delvoye con las marcas. En sus  
famosos cerdos tapizados y tatuados, Delvoye emplea el logotipo de Louis Vuitton con inten-  
ción irónica y exclusivamente como pieza de uso artístico. Su función es la crítica social me-  
diante la estrategia del apropiacionismo.  
Otra característica común entre ambos sistemas de creación se pone de manifiesto en  
el lenguaje propio, su gramática y los códigos que los caracterizan. Desde esta perspectiva,  
implica que la moda, al igual que el lenguaje y en todo caso, el arte, posee una estructura y  
reglas que permiten la creación de significado. Aplicando este concepto a la relación entre  
arte y moda, podemos inferir que la moda es un sistema de signos que puede dialogar con el  
arte, tomando prestados elementos de su lenguaje visual y reinterpretándolos en un nuevo  
contexto. La moda, entonces, no sería una simple imitación del arte, sino una forma de co-  
municación que se nutre de sus códigos y los transforma. La artista Naia del Castillo utiliza  
el sistema de la moda como un elemento narrativo y reflexivo para sus creaciones, altamen-  
te simbólicas, con un marcado carácter poético, particularmente en sus series Atrapados  
(2000-2002), Sobre la seducción (2002-2004) y Ofrendas y posesiones (imagen 3). Su traba-  
jo se interpreta como una exploración de la relación de la mujer con su entorno, la construc-  
ción de la identidad femenina y la crítica a los roles tradicionales de género. Combalía (2004)  
destaca la capacidad de del Castillo para crear nuevos iconos llenos de significado, trans-  
formando objetos cotidianos en sugerentes fetiches. Destaca la dicotomía presente en las  
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Figura 2.  
Dolce&Gabbana  
(2025). Exposición  
Du Cœur à la Main  
[Instalación]. Fuente:  
https://www.  
milanofinanza.it/  
obras, entre la presentación de la prenda como objeto artístico en sí mismo y su representa-  
ción fotográfica. Desde esta perspectiva, la obra Espacio doméstico - Silla (2000) puede in-  
terpretarse como una metáfora de la atadura fsica y psicológica de la mujer a las labores  
del hogar: una pieza en clave feminista. La atadura queda representada también en obras  
como Las dos hermanas (2005) o Cortejo (2002).  
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Figura 3. del Castillo,  
N. (2005). Ofrendas  
y posesiones: las  
dos hermanas  
[Fotografa color.  
Técnica mixta  
125x100 cm.  
Medidas variables].  
Fuente: https://  
naiadelcastillo.com/  
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4. Claves para una fusión cultural y nuevos paradigmas creativos:  
del arte a la moda y viceversa  
La conexión entre el arte y la moda es una constante histórica que se ha intensificado en  
lasúltimasdécadas, conelartecontemporáneocomounafuerzaimpulsoraparalacreación  
de colecciones. Esta influencia se observa en diversos aspectos, desde la inspiración esté-  
tica en la práctica artística de ambos mundos retroalimentándose, hasta la transformación  
de los espacios comerciales en auténticas galerías de arte. La fusión se traduce en una se-  
rie de tendencias clave. En primer lugar, la interdisciplinaridad, que diluye las fronteras entre  
el arte, la moda, el diseño y la tecnología, dando lugar a nuevas formas de expresión y expe-  
riencias híbridas y, en última instancia, también gracias al uso de la IA. En segundo lugar, la  
aparición de experiencias inmersivas como son los desfiles, las instalaciones en tiendas y el  
contenido digital, diseñados para crear experiencias sensoriales que involucren las emocio-  
nes del público, al igual que artistas y museos ya aplicaban estas propuestas para proponer  
nuevos modelos expositivos. En tercer lugar, un tema capital como es la sostenibilidad, el re-  
ciclaje y la ética en la incorporación de nuevos materiales menos contaminantes y medios  
de producción sostenibles; el arte contemporáneo ha impulsado la experimentación con ma-  
teriales reciclados, la producción local y la importancia de la procedencia artesanal del pro-  
ducto, contrastando con modelos contaminantes de producción en masa que el sistema de  
la moda propone. Y, por último, el rumbo que el arte contemporáneo ha desafiado en cuanto  
a los cánones de belleza y la identidad, promoviendo la diversidad e inclusión de la represen-  
tación del cuerpo no normativo o visibilizando cuerpos disidentes, alejados del ideal de belle-  
za, en contraposición a un cuerpo poco saludable que la moda empleó en tendencias como la  
heroin chic de los años 90, o prendas como el corsé. Una vez planteados estos puntos clave, a  
continuación analizaremos estas tendencias.  
4.1. Colaboraciones entre artistas y diseñadores: creando colecciones cápsula, piezas  
únicas y espacios híbridos  
En la actualidad la inspiración en el arte tanto clásico como contemporáneo se ha inten-  
sificado. Diseñadores como Martin Margiela se inspiran en el minimalismo y el arte concep-  
tual para crear prendas vanguardistas (Nadur, 2022), Jil Sander en 2012 experimenta con las  
formas de Picasso, Viktor & Rolf (imagen 4), en la temporada 2015-2016 realizan una colec-  
ción construida con los propios marcos pictóricos, deconstruidos y expandidos, creando ver-  
daderas obras escultóricas. También el diseñador Miguel Marinero en la Pasarela Cibeles de  
2017 se inspira en Velázquez y el Barroco o la diseñadora Phoebe Philo en 2017 trabaja con  
conceptos y formas del artista Yves Klein. La sinergia entre diseñadores de moda y artistas  
se ha convertido en una práctica habitual, dando lugar a colecciones cápsula y piezas únicas  
que fusionan la visión de ambos creadores. En Argentina, marcas de diseño de autor como  
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Carlos Valverde & Rita Cisnal  
Kostüme se inspiran en el arte y colaboran con artistas locales para presentar sus coleccio-  
nes (Nadur, 2022). El arte contemporáneo ha influenciado la industria de la moda en su con-  
junto, no solo en el ámbito de las marcas de lujo, sino también en el diseño de autor. Facundo  
Nadur (2022), analiza la estrategia de la citada marca Kostüme, que utiliza recursos del arte  
para diferenciarse en el mercado. El concepto de artificación, según Kapferer (2014), refiere  
a una estrategia de marketing utilizada por marcas de moda, especialmente las de lujo, que  
buscan vincularse con el arte contemporáneo para crear valor, diferenciarse en el mercado  
Figura 4. Viktor & Rolf.  
(2015). Otoño 2015  
en la semana de la  
alta costura [Desfile,  
instalación. Medidas  
variables]. Fuente: https://  
elplanetaurbano.com/  
Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital  
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y justificar precios más altos. Esta estrategia, se basa en la idea de que el arte tiene un aura  
deprestigio, exclusividadyatemporalidadquesepuedetransferiralamoda, dotándoladeun  
valor simbólico que va más allá de su funcionalidad. La artificación implica una serie de ac-  
ciones concretas, como colaboraciones con artistas para crear colecciones cápsula, piezas  
exclusivas, estampados originales o incluso intervenir en el diseño de sus tiendas. Se crean  
fundaciones de arte para apoyar a artistas emergentes, organizar exposiciones y eventos  
culturales, lo que les permite posicionarse como mecenas del arte.  
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Carlos Valverde & Rita Cisnal  
Tambiénsediseñanespacioscomercialesdemodacomomodeloshíbridosdegaleríasar-  
tísticas.Lastiendasinsigniayboutiques demarcasdelujosehanconvertidoenespacioshete-  
rogéneosqueincorporanelementosdelartecontemporáneo.MarcialBerro,artistaargentino  
conocidoporsusjoyas, haexpuestosuscreacionesenprestigiososespacioscomolaCasade  
la Moneda de París, difuminando la línea entre la moda y el arte (Pinto, 2013). Otro ejemplo es  
laMaisonHermèsenGinza, Tokio, diseñadaporRenzoPiano, quededicatodoeloctavopisoa  
una galería de arte, fusionando la experiencia de compra con la apreciación artística (Nadur,  
2022). Marcas como Louis Vuitton y Prada implementan el arte como una estrategia de mer-  
cadotecnia colaborando con artistas. Su máximo exponente es la artista Yayoi Kusama que  
en2023LouisVuittonempleasuartenosolopararealizarsucolección,tambiénlaproducción  
detodoeldiseñodesustiendasinsigniadeTokyo, NuevaYorkyParís, incluidalamodificación  
de las fachadas con elementos icónicos de la propia artista. En esta colaboración, aparece  
Kusama en audiovisuales en pantallas 3D a gran escala, la propia imagen a tamaño natural  
de Kusama robótica en el escaparate pintando sus icónicos lunares, o una escultura colosal  
de la artista abrazando el edificio de los Campos Elíseos de París. Las marcas de lujo em-  
pleanestratégicamenteelarteparaobtenerlalegitimidadyautenticidadquenecesitanpara  
operar en un entorno competitivo. Desde una perspectiva ética, el lujo ha sido históricamente  
condenado como un símbolo de corrupción moral (Kapferer, 2014). Por lo tanto, el proceso de  
artificación ayuda a que el lujo se legitime y se autentifique, proporcionando a las marcas de  
moda una aprobación estética y moral que ayuda a su legitimación.  
Pero ¿qué ocurre cuando, inversamente, el artista transforma la galería de arte en una  
boutique? En Peletería humana (imagen 5), Nicola Costantino presenta aparentemente una  
colección de moda. Tal como describe la pieza Valverde (2018), la artista modifica de forma  
irónicaunagaleríadearteenunatiendadealtamoda,justoenelmomentoenquelasgalerías  
deartecerrabanyesosmismoslocaleseranocupadosporcasasdemodadelujo. Laobrase  
presenta como una ironía a la funcionalidad del arte, y como una crítica a la superficialidad y  
la obsesión por la apariencia en la sociedad contemporánea, utilizando la moda como un ve-  
hículo para explorar la compleja relación entre el cuerpo, la identidad y lo social. Constantino  
utiliza calcos de silicona para plasmar detalles del cuerpo humano, como ombligos, anos y  
tetillas, y los integra en prendas de vestir, creando una estética perturbadora que confron-  
ta al espectador con la materialidad del cuerpo. La colección de prendas de vestir realizada  
con calcos de piel y pelo humano, invita a reflexionar sobre la deshumanización del cuerpo  
en la moda, al presentarlo como materia prima. También recorre la relación ambigua entre  
el cuerpo y la vestimenta, que puede oscilar entre la protección, la ocultación y la exhibición.  
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Figura 5. Costantino, N. (2000). Peletería humana  
[Instalación en Galería Deitch Projects, Nueva  
York]. Fuente: https://www.deitch.com/archive/  
deitch-projects/exhibitions/human-furrier  
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4.2. El consumo de moda y la construcción de la identidad  
Los desfiles de moda han trascendido su función original, convirtiéndose en experien-  
cias inmersivas que integran performance, instalación, videoarte y música. Peisajovich  
(2021) describe este fenómeno, señalando que diseñadores como Alexander McQueen, John  
Galliano y Hussein Chalayan, a partir de los años 90, transformaron los desfiles en espectá-  
culos teatrales, utilizando la escenografa, la iluminación y la música para crear narrativas  
conceptuales. Asimismo, Los desfiles de moda han evolucionado de simples presentaciones  
de prendas a experiencias inmersivas que incorporan elementos de performance, instala-  
ción, videoarteymúsica. EnArgentina, SergiodeLooforganizódesfilesyexposicionesenlos  
años 90 que combinaban el arte, la moda y la performance, desafiando los cánones tradicio-  
nales de belleza y promoviendo la diversidad (Nadur, 2022).  
La relación entre la identidad del cuerpo humano en la pasarela y la obra de determi-  
nados artistas, se establece a través de la ruptura con los cánones tradicionales de belle-  
za y la búsqueda de una representación más diversa y real del cuerpo humano. Los estudios  
críticos de moda, en línea con el arte contemporáneo, deben ser más diversos e inclusi-  
vos, buscando activamente desmantelar las suposiciones que definen la hegemonía estéti-  
ca (Smelik y Kaiser, 2021). Fotógrafos como Erwin Olaf o David La Chapelle y pintoras como  
Elsa Soibelman, a través de sus obras, desafan estéticas imperantes en los medios de co-  
municación, caracterizados por la idealización de la juventud y la delgadez. Olaf presenta  
cuerpos de mujeres maduras, con arrugas y sin retoques digitales, evidenciando el paso del  
tiempo y la belleza natural. La Chapelle utiliza todo tipo de cuerpos diversos en sus composi-  
ciones y, del mismo modo, Soibelman, trabaja con el canon estético femenino modificando el  
cuerpo hacia otras formas corpóreas disidentes.  
Esta visión se conecta con la evolución de la performance en la pasarela, donde diseña-  
dores como John Galliano, Hussein Chalayan y Alexander McQueen han desafiado la tradi-  
cionalpresentacióndemodelosestáticasyhanincorporadolateatralidad, elmovimientoyla  
expresióncorporalparacomunicarmensajes. Enlamoda, lanocióndedoblamiento, evidente  
en la relación entre la modelo viviente y el vestido, genera una ansiedad sobre el yo individual  
y soberano que se relaciona con el concepto de lo inquietante (Evans, 2011). Los cuerpos en  
laspasarelasperformáticasyanosonmerossoportesdelasprendas, sinoqueseconvierten  
enactores, entransmisoresdeemocioneseideas. Tantoartistascomodiseñadoresdepasa-  
relasperformáticas, utilizanlarepresentacióndelcuerpoparacomunicarunmensajesocial,  
ya sea la crítica a la idealización de la belleza, la celebración de la diversidad o la denuncia  
de injusticias. La incorporación de la performance en los desfiles permite a los modelos ex-  
presar emociones y narrar historias a través de sus cuerpos, alejándose de la pasividad y la  
rigidez tradicionales, del mismo modo que artistas de la performance están trabajando en la  
misma dirección. En este sentido destacaremos la presencia de la artista Pandemonia (ima-  
gen 6), una musa de plástico que fusiona arte y moda y no envejece, pues no tiene una iden-  
tidad concreta. Tras su icónica máscara de plástico, ha sido invitada a desfilar en la Semana  
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Figura 6. Brough, J.,  
ODDA Magazine  
y Louby (2016).  
Pandemonia 10 tributes  
[Fotografa editorial].  
Fuente: https://  
www.designscene.  
net/2016/04/  
pandemonia-odda-  
magazine.html  
de la Moda de París, incluso en el último desfile de Jean Paul Gaultier. Su presencia en la pri-  
mera fila de los desfiles más importantes la convierte en un referente de estilo, aunque iró-  
nico y provocador. Como postula Slack (2020), su trabajo ha sido expuesto en galerías de arte,  
demostrando su capacidad para trascender el ámbito de la moda y adentrarse en el mundo  
del arte conceptual. Su máscara de látex, su peluca rubia y su cuerpo inflado de plástico la  
convierten en una escultura viva, una obra de arte que camina y respira. En definitiva, es una  
artista que utiliza la moda como un medio para expresar su crítica a la superficialidad y la  
obsesión por la imagen en la sociedad actual. Su trabajo desafa las fronteras, obligándonos  
a cuestionar nuestras propias percepciones de la belleza y la identidad.  
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En este contexto de espectáculo y performance, la moda de vanguardia funciona a me-  
nudo como un comentario crítico. Evans (2003) analizó las tendencias de diseñadores de fi-  
nales del siglo XX, como Alexander McQueen, John Galliano y Hussein Chalayan, quienes  
transformaron los desfiles en experiencias teatrales y narrativas, identificando en sus obras  
signos apocalípticos mediante el uso de imágenes de muerte, decadencia y lo abyecto. Evans  
interpreta estas estéticas, a menudo mediadas por la fotografa provocadora, como una crí-  
tica a la modernidad y al capitalismo ejecutada desde el interior de la industria de la moda.  
Esta espectacularización plantea una tensión inestable entre el rechazo y la celebración del  
sistema de la moda. Así, la moda para Evans (2017) se consolida como una práctica perfor-  
mativa cuyo gesto y pose quedan capturados, evidenciando una conexión con la historia no  
lineal del movimiento y las imágenes.  
Algunos autores coinciden en que, históricamente, la moda al igual que el arte, han sido  
símbolosdeestatussocialcomoconstructoidentitario, especialmenteenelcontextodelcon-  
sumo ostentoso de la burguesía. Lipovetsky y Roux sostienen que “con la moda se instaura  
la primera gran figura de un lujo absolutamente moderno, superficial y gratuito, móvil, libe-  
rado de las potencias del pasado y de lo invisible” (2004, p. 44). Veblen (1944), argumenta que  
la moda en la sociedad industrial, es una expresión directa de la cultura pecuniaria y refle-  
ja el carácter clasista de la división de la sociedad. La clase ociosa, a menudo representada  
por la mujer burguesa, utiliza la moda como una forma de ostentación de su riqueza, poder  
adquisitivo y abstención del trabajo productivo, con el objetivo de diferenciarse de las clases  
trabajadoras. Simmel (1988) interpreta la moda como un comportamiento de clase que se  
manifiesta en la competencia constante entre estratos, donde los grupos superiores deben  
abandonar una tendencia tan pronto como es adoptada por los inferiores para mantener su  
distinción. Analizó cómo la moda se consolidó como un factor unitivo y estructurante en el  
contexto del capitalismo industrial. En este marco, la moda no solo se convierte en un vehí-  
culo de diferenciación, sino también en un patrón a imitar esencial para la integración social.  
La adopción de nuevas tendencias y piezas, especialmente aquellas de alto costo, funciona  
comounaseñalizacióndelapertenenciaaunaclasesocialalta. Porsuparte, Joly(2012), sos-  
tiene que, en la sociedad contemporánea, la moda ha adquirido un valor artístico y cultural.  
Los diseñadores de moda, al igual que los artistas, ingresan a los museos, sus creaciones son  
exhibidasengaleríasdearteyseutilizanlenguajesartísticosenlapresentacióndelascolec-  
ciones. Esta convergencia contribuye a la elevación del estatus social de la moda gracias al  
arte y a su legitimación como una forma de expresión cultural sofisticada.  
Echavarrenapuntaquelamoda“eraelartedediseñarunmundodesdearriba, desdelos  
poderosos y los ricos. Con el predominio decimonónico de la burguesía, la moda se convirtió  
en el arte de vestir y adornar a los burgueses, junto a los restos de la aristocracia: vestir a  
quien tenía dinero” (1997, p. 26). En este sentido, Valverde (2018) explora la alta costura como  
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un fenómeno que se entrelaza con el lujo, la ostentación, el refinamiento y la exclusividad,  
trascendiendo la mera confección de prendas y convirtiéndose en un espectáculo; un arte-  
facto cultural que refleja las dinámicas de poder, consumo e identidad en la sociedad con-  
temporánea. Subraya su conexión con el concepto de lujo como un símbolo de individualidad  
y poder y analiza, la obra Savon de corps (imagen 7) de Nicola Costantino, que se apropia  
de los códigos del lujo y la moda para realizar una crítica ácida a la industria de la belleza  
y la obsesión por el cuerpo. En esta obra, Costantino fusiona el arte, moda y lujo para crear  
una pieza polémica que confronta al espectador con la fragilidad del cuerpo, la artificialidad  
de la belleza y la ética del consumo en la era de la imagen. El cuerpo de la artista es mo-  
delo y materia prima; la grasa utilizada  
en la elaboración de los jabones provie-  
ne de una liposucción a la que se some-  
tió, evidenciando la mercantilización del  
cuerpo y la obsesión por la cirugía en la  
sociedad. Este acto radical y transgre-  
sor cuestiona los límites del arte. El lujo  
se evidencia en la presentación del ja-  
bón; una tirada de 100 ejemplares como  
unaproducciónlimitadaynumeradaque  
evoca la exclusividad característica de  
los artículos de alta gama. Los jabones,  
con forma de espalda, cintura y cade-  
ra femeninas, idealizadas y fragmenta-  
das, aluden a la cosificación del cuerpo  
de la mujer en la industria de la belleza  
y la moda. La fragancia dulce de leche  
Figura 7. Costantino, N. (2004).  
Savon de corps [Instalación  
en MALBA]. Fuente: https://  
nicolacostantino.com.ar/  
con caramelo busca generar una experiencia sensorial placentera y sofisticada, propia de  
la cosmética de lujo. Asimismo, la moda, como sistema de promoción de la imagen y el  
consumo, se utiliza en la estrategia de lanzamiento de la obra como producto cosmético.  
Costantino presenta Savon de corps como un producto comercial, utilizando una estrate-  
gia de marketing similar a la industria cosmética. La artista juega con la idea del deseo de  
poseer no solo el producto, sino también la imagen y el cuerpo de la modelo, una dinámica  
propia del consumo de moda. Con su eslogan que dice “Toma tu baño conmigo” en francés,  
supuesto idioma del refinamiento, invita irónicamente a que esos 100 afortunados se laven  
la cara con el 3% de la grasa de los glúteos de la artista. Como apunta Lipovetsky y Roux,  
“el lujo no se concibe si la dilapidación no se ofrece como espectáculo, si no hacen acto de  
presencia la mirada y la admiración del otro” (2004, p. 36).  
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4.3. Convergencias en la era digital: arte, moda, tecnología e inteligencia artificial  
La irrupción de la tecnología y, más recientemente de la IA, ha supuesto otro gran cam-  
bio cultural. La convergencia de estas disciplinas con el arte y la moda, ha generado un nue-  
vo panorama creativo donde las fronteras se vuelven a difuminar y emergen nuevas formas  
de expresión, producción y consumo. La IA, como una herramienta poderosa, puede poten-  
ciarlacreatividad, lainnovaciónylapersonalizaciónenlaindustriadelamoda, creandonue-  
vas formas de expresión estética y experiencias de consumo. Sin embargo, es fundamental  
abordarlosdesafoséticosyconceptualesqueplantea, asegurandoquesuusoenriquezcael  
panorama creativo sin desvirtuar la esencia del arte y la moda.  
La introducción de la tecnología y la IA en el mundo del arte y la moda ha generado de-  
bates sobre la autoría, la originalidad y la mercantilización del arte. ¿Quién es el autor de una  
obra creada por un algoritmo? ¿Pierde el arte su aura de autenticidad al ser producido en  
masapormáquinas?¿SeestáutilizandolaIAcomounaherramientademercadotecniapara  
generar un valor artificial a productos de moda? La tecnología ha actuado como un cataliza-  
dor en la hibridación entre arte y moda, facilitando la creación de nuevas texturas, materia-  
les y formas. Como postula Ruiz (2020), la introducción de la impresión 3D y el corte láser ha  
permitido a los diseñadores experimentar con diseños complejos y acabados innovadores,  
ampliando las posibilidades creativas de la indumentaria. El uso de software de diseño asis-  
tido por ordenador (CAD) ha optimizado los procesos de diseño, patronaje y producción, per-  
mitiendo una mayor precisión y eficiencia.  
Por otro lado, las plataformas digitales y las redes sociales han democratizado el acce-  
so a la información sobre moda y arte, creando nuevas comunidades virtuales y espacios de  
intercambio creativo. La cultura visual adolescente, por ejemplo, se nutre de la influencia de  
la industria de la moda y su difusión en las redes sociales (Toribio, 2021). Además de todo lo  
descrito, lasmarcaspatrocinanferiasdearte, bienales, exposicionesymuseos, asociandosu  
imagen a la del mundo del arte. También el uso de las redes sociales y el lenguaje de la mar-  
ca que incorporan referencias al arte contemporáneo, utilizando un lenguaje visual similar,  
conceptos artísticos y colaborando con artistas digitales. La moda utiliza plataformas digi-  
tales y redes sociales para crear contenido visualmente impactante, inspirándose en el arte  
contemporáneo, colaborando con artistas visuales y experimentando con tecnologías como  
la realidad aumentada. Aras (2013) señala que los diseñadores se inspiran en movimientos  
artísticos para crear información nueva e inesperada. Los diseñadores, inspirados por la in-  
novación y la experimentación del arte, crean prendas y experiencias que desafan las ex-  
pectativas, exploran nuevos territorios y redefinen nuestra forma de vestir, expresarnos y  
relacionarnos con el mundo.  
La necesidad de un análisis crítico en los estudios de moda implica deshacer las oposi-  
ciones binarias y la ampliación de los horizontes geográficos más allá de la euromodernidad  
(Kaiser, 2013). Tradicionalmente, los estudios de moda han sido predominantemente euro-  
céntricos, un sesgo que Steele intentó desafiar al demostrar que la moda no es solo un fenó-  
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meno occidental (Roces, 2022). La crítica debe examinar activamente las dificultades aso-  
ciadas con la ruptura de los regímenes coloniales y la apropiación cultural (Smelik y Kaiser,  
2022). La meta a largo plazo en el campo es alcanzar una historia de la moda verdadera-  
mente global, donde los estudios en profundidad de diversas regiones se integren para mos-  
trar un intercambio cultural más amplio. En este contexto, la IA (imagen 8) se ha convertido  
en un nuevo actor en el escenario creativo, desafiando las formas tradicionales de concebir  
la creatividad. Los algoritmos de aprendizaje automático analizan grandes conjuntos de da-  
tos de imágenes, tendencias y preferencias de los consumidores, proporcionando a los dise-  
ñadores información valiosa para la creación de colecciones. Sin embargo, si estos grandes  
conjuntos de datos de imágenes utilizados para entrenar a la IA provienen de un registro his-  
tórico y visual que es fundamentalmente eurocéntrico, existe un riesgo inherente de que la  
IA estandarice conceptos estéticos occidentales. Este riesgo representa una forma de domi-  
nio eurocentralizado en la imagen de moda algorítmica, perpetuando inadvertidamente los  
estándares estéticos hegemónicos asociados a la feminidad hegemónica: blanca, burguesa,  
heterosexual, joven y delgada (Smelik y Kaiser, 2022).  
Figura 8. Fotografa de  
los autores (2025). S/t.  
[Imagen generativa  
realizada con IA  
NanoBanana].  
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5. Concusiones  
Esta investigación ha ahondado en la compleja relación simbiótica entre el arte y la  
moda, explorando cómo artistas contemporáneos se insertan en el sistema de la moda, utili-  
zando la vestimenta como un soporte para la expresión artística. A través de su trabajo, es-  
tos artistas generan reflexiones sobre la identidad, el cuerpo y la cultura contemporánea, y  
sus creaciones constituyen un medio de análisis a través del cual podemos observar las ten-  
sionesylastransformacionesdenuestraépoca. Elanálisisrealizadohatrascendidolamera  
descripción de los casos de hibridación estética, reforzando la necesidad de examinar la  
moda a través de lentes críticas como la economía, el género o el cuerpo humano. Se ha de-  
mostrado que la artificación, aunque estéticamente innovadora, funciona como una estrate-  
giadepodereconómicoparalegitimarlosaltospreciosdelasmarcasdelujo, mientrasquela  
pasarela sigue siendo un campo de batalla para la representación corporal y el desafo a la  
hegemonía estética dominante, aunque estas luchas se enfrentan a las limitaciones estruc-  
turales y financieras de la industria.  
La investigación ha revelado que la relación entre el arte y la moda constituye una diná-  
mica relacional que se ha intensificado en las últimas décadas. La moda se nutre de las in-  
fluencias estéticas del arte, reflejando y reinterpretando sus ideas y estéticas. El arte, a su  
vez, sucumbe a la moda, encontrando en ella nuevos materiales, técnicas, escaparates y for-  
mas de pensar sobre el cuerpo y la identidad. La moda se ha convertido en un lenguaje vi-  
sual poderoso, capaz de comunicar ideas y emociones de forma similar al arte. Al igual que  
el arte, la moda puede ser una forma de expresión personal y un reflejo de la identidad indi-  
vidual. Esta relación se ha intensificado en la sociedad actual, donde la identidad y la imagen  
juegan un papel crucial. El trabajo de Ana Laura Aláez, por ejemplo, utiliza la moda como un  
lenguaje para explorar la complejidad de la identidad individual y la influencia de la cultura  
visualenlaconstruccióndelYo, perotambiénhemosanalizadoobrasquereflejanlacomple-  
jidad entre ambos territorios como la obra de Nicola Costantino.  
El arte contemporáneo ha impulsado la transformación de los espacios comerciales en  
auténticas galerías de arte. Las tiendas insignia y boutiques de marcas de lujo incorporan  
elementos del arte contemporáneo, fusionando la experiencia de compra con la apreciación  
artística. Esta tendencia se ve impulsada por la estrategia que marca nuestro presente de  
artificación, donde las marcas de moda buscan vincularse con el arte para crear valor. Los  
desfiles de moda han evolucionado, convirtiéndose en experiencias inmersivas que integran  
performance, instalación, videoarte y música. Esta tendencia se conecta con la búsqueda de  
una representación más diversa y real del cuerpo humano en la pasarela, rompiendo con los  
cánones imperantes de belleza. Pensemos en los desfiles teatrales de Alexander McQueen,  
que desafiaron las normas y exploraron nuevas formas de expresión corporal. O en la pre-  
sencia de la artista Pandemonia; su figura irónica y provocadora nos invita a cuestionar  
nuestras propias percepciones de la belleza y la identidad del cuerpo humano.  
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Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital  
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La tecnología, y más recientemente la IA, han transformado la producción, la difusión y  
el consumo de la moda. La IA, puede potenciar la creatividad, la innovación y la personaliza-  
ción en la industria de la moda. Sin embargo, su uso plantea desafos éticos y conceptuales  
sobre la autoría, la originalidad y la mercantilización del arte que todavía están por definir. Si  
bien la convergencia entre arte, moda, tecnología e IA representa un campo de experimen-  
tación y exploración con un enorme potencial creativo, capaz de liberar a los diseñadores de  
tareasrepetitivasparaconcentrarseenlaconceptualizaciónylainnovación, esfundamental  
abordar el sesgo en el algoritmo occidentalizado para asegurar que esta transformación di-  
gital contribuya a una representación más inclusiva e interdisciplinaria de las producciones  
simbólicas a nivel global.  
Estainvestigación,concebidacomounproyectocuratorial,invitaareflexionarsobreelfu-  
turodeestaconvergenciaentreelarteylamoda. ¿Cómoseguiránlosartistasdesafiandolas  
convenciones y utilizando la moda como un medio de expresión? ¿Qué nuevas formas de hi-  
bridaciónsurgiránentreelarte,lamoda,latecnologíaylaIA?¿Cómoafectaráladigitalización  
ylaglobalizaciónalarelaciónentreestosdosmundos?Estetrabajoessolounpuntodeparti-  
daylaspreguntasqueformulamosseplanteanamododeprospectiva. Elfuturodelarteyla  
modasepresentacomoámbitopropicioparalaexperimentación,lainnovaciónylacrítica,un  
espaciodondelacreatividadylareflexiónseentrelazanparadarformaanuevasrealidades.  
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