Eviterna (ISSN: 2530-6014) es una publicación digital universitaria, de carácter investigador y periodicidad anual (previamente semestral), dedicada a la difusión y exploración de la cultura y el arte en sentido amplio. Nace como un espacio abierto para compartir, de forma libre y accesible, pequeñas investigaciones recientes de todas aquellas personas interesadas en contribuir con sus trabajos al proyecto. Se concibe como una revista de ámbito internacional, creada en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Málaga (Departamento de Historia del Arte) y resultado del Proyecto de Innovación Educativa PIE15-060. Desde su lanzamiento en noviembre de 2016, se edita exclusivamente en formato digital, con la misión de comunicar novedades y debates actuales en el campo de las Humanidades, la Historia del Arte y la Cultura, proporcionando una plataforma dinámica para la divulgación y reflexión. Su contenido (artículos, reseñas, críticas y otras aportaciones académicas) abarca cualquier periodo histórico y toda manifestación o tendencia artística relevante para las disciplinas que conforman su ámbito de estudio.
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La pintura de historia en España en la segunda mitad del Siglo XIX
La pintura de historia es un género que ha ido evolucionando a través de todos los períodos artísticos, sin embargo, su origen es tan remoto que se sitúa en la época helenística. Su esplendor en Europa fue alcanzado en la primera mitad del siglo XIX, mientras que en España lo fue en la segunda gracias a la creación de las Exposiciones Nacionales, donde en las catorce primeras realizadas en dicha centuria se registraron las cotas más altas de lienzos de pintura de historia, tanto presentados como ganadores de medallas de las diferentes categorías. Esta investigación pretende analizar la causalidad del auge de dicho género en la segunda mitad del siglo XIX en relación con las circunstancias sociales, económicas, políticas, históricas y artísticas del país. Concretamente se analizará con detalle la Exposición Nacional de 1887, al ser la que más cuadros de pintura de historia fueron presentados y ganadores de medallas, prestando especial atención a los que hacían referencia al pasado histórico de la nación española. Además, se debe tener en cuenta la autoría de dichas obras y la composición del jurado, así como la trayectoria y la competitividad o afinidad entre los artistas participantes y los miembros del tribunal. Analizando dichas circunstancias, entre otras, se explican muchas de las obras o pintores ganadores, tanto en la Exposición Nacional de 1887, como en el resto de las celebradas en el siglo XIX.
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Este estudio analiza la transformación de la porcelana producida en los hornos de Zhangzhou, Fujian, durante el periodo Wanli (1573-1620), centrándose en su inserción en los circuitos mercantiles internacionales. En un contexto marcado por la creciente escasez de materias primas adecuadas y las dificultades operativas en los hornos imperiales de Jingdezhen, los ceramistas de Zhangzhou adoptaron estrategias innovadoras para atender la demanda exterior. Su producción combinó motivos decorativos autóctonos con diseños adaptados a las preferencias de compradores europeos y del Sudeste Asiático, lo que facilitó su expansión en el comercio transoceánico. El texto también examina la influencia de los conflictos marítimos y las restricciones impuestas por las autoridades en la actividad comercial de Fujian, evaluando su impacto en la distribución de bienes y la evolución de la manufactura cerámica. A través del análisis de fuentes documentales y hallazgos arqueológicos, se demuestra que la porcelana de Zhangzhou alcanzó gran prestigio fuera de China, consolidándose como un producto altamente valorado en los mercados intercontinentales. Esta investigación subraya la importancia de Zhangzhou como un ejemplo paradigmático de la relación entre cultura material y comercio global, destacando su capacidad para adaptarse a distintos entornos. Su desarrollo evidencia procesos continuos de innovación técnica y flexibilidad comercial que aseguraron su permanencia y reconocimiento en el siglo XVI y XVII, favoreciendo su circulación más allá del ámbito regional y contribuyendo a la expansión de las redes económicas globales. El presente texto integra los resultados de los proyectos: La Ruta de la Seda del Pacífico y la difusión e influencia de los objetos artísticos chinos en América Latina (Siglos XVI-XIX), 22YJC770035, financiado por el Ministerio de Educación de la República Popular de China, Proa a la mar. Desarrollo, logística y proyección de la bahía gaditana como nodo naval en el siglo XVIII (ProyExcel_01045), en el marco de las Ayudas a Proyectos de Excelencia del Plan Andaluz de Investigación, Desarrollo e Innovación PAIDI 2020 (Convocatoria 2021) y Memórias Viajantes-Travelling Memories, financiado por la FCT - Fundação para a Ciência e a Tecnologia, en el ámbito de los proyectos UIDB/00114/2020 e UIDP/00114/2020.
Análisis conceptual del esquinal malagueño
En el urbanismo de la alta Edad Media, para preservar las esquinas de determinadas edificaciones, en el contexto de tramas urbanas intrincadas y angostas, surge la necesidad de proteger la arquitectura contra el roce del tráfico rodado de carruajes. Las tipologías de los elementos de protección arquitectónica son variadas, denominándose, entre otros términos, guardacantones, esquinales o marmolillos. Estos elementos proliferan especialmente en el urbanismo de las ciudades conventuales de la Edad Moderna, convirtiéndose en hitos urbanísticos, hoy en desuso. El olvido al que se ven sometidos no impide que fielmente continúen ejerciendo su misión de proteger las esquinas y muros de nuestros edificios históricos. Su pretérita existencia les dota de un nuevo significado y, en el caso concreto de Málaga, se erigen como testigos e integrantes de un urbanismo en vías de desaparición, convirtiéndose de facto en elementos de alto valor patrimonial. El presente artículo realiza un análisis conceptual del esquinal malagueño, estudiando la importancia del modelo aljamapresente en la esquina noreste de la iglesia de El Sagrario. Conjuntamente, como complemento necesario, analizamos sus vulnerabilidades y los riesgos a los que se ven expuestos en un ejercicio de visibilización y puesta en valor.
Pazos-López A. y Cuesta Sánchez A. M. (2022). Las imágenes de los animales fantásticos en la Edad Media. Trea.
El bioarte está contribuyendo al arte contemporáneo con una mirada distinta, unos medios nuevos y unas profundas reflexiones acerca de la obra artística y acerca de la vida. Aunque hay mucha literatura escrita sobre la temática, faltan muchos esfuerzos por conectar adecuadamente a los bioartistas con la historia del arte, y por profundizar en las conexiones entre su obra artística y el concepto de vida, entre la su práctica bioartística artística y la biología. El presente artículo pretende hacer un acercamiento a las reflexiones en torno a la vida como arte y el arte como vida a través de una cuidadosa selección de siete casos bioartísticos ‘ejemplares’, contextualizándolos de la siguiente forma: en primer lugar, la obra de bioarte más popular se pone en conexión de continuidad con dos obras señeras de dos momentos diferenciados de la historia del arte separados en el tiempo por más de 400 años; en segundo lugar, se ponen en diálogo con el movimiento artístico del body art tres obras en las que los bioartistas intervinieron sobre sus propios cuerpos; y finalmente, tres obras de creadores pioneros del bioarte se ligan con el discurso de una reciente instalación de un artista emergente.
Tras las huellas documentales de una escultura singular malentendida
La imagen del Cristo de la Humildad y Paciencia, hallada en la aldea de Jauja (Lucena, Córdoba), es una escultura ligera poseedora de una historia material marcada por el olvido. Una pieza cuyo interés principal recae en la técnica escultórica en la que está realizada y que la convierte de por sí en singular al no quedar anclada a los cánones procedimentales usuales de la imaginería española del Barroco. Esta particularidad la convierte en un notable ejemplar que, además, pudiera tener relación con los talleres novohispanos erigidos en Mesoamérica en los que se implementaron procesos de elaboración de obras sacras usando como material principal la caña del maíz. No en vano fueron numerosas las piezas de procedencia indígena enviadas a la península Ibérica desde los albores del siglo XVI y en adelante resultando, también, un claro ejemplo del triunfo de la evangelización llevada a cabo por las órdenes mendicantes; en especial, la conversión de la orden franciscana en promotora básica de muchas de ellas. Desde su documentación en el Ochocientos, la obra recibió culto en Cabra (Córdoba), donde gozaba de la veneración de los fieles; pero el tiempo, el deterioro material y los cambios estéticos –sujetos a las modas imperantes en la religiosidad local–, llevaron a que acabase ocupando un lugar secundario, abandonando el recinto sagrado para arrinconarse en un antiguo molino cortijero. En la década de 1960 es rescatada, reponiéndose al culto en la iglesia de la citada pedanía lucentina. Una serie de indagaciones nos han permito conocer de primera mano las particularidades de la obra, relacionable a su vez, estéticamente, con otras similares existentes en un radio de acción geográfico cercano y fechadas todas en el siglo XVII.
Antonio Palomo (1740-1804), retablista antequerano
El retablo es un objeto de estudio relevante pero poco desarrollado, dejando entrever lagunas en las investigaciones referentes al mismo. El retablo no ha sido, por norma general, uno de los elementos clave en las investigaciones histórico-artísticas, quedando su protagonismo siempre anidado a la arquitectura o como recibidor de otras artes como la escultura o pintura, pero no como un elemento principal per se. La investigación de los diferentes retablistas y de su producción ha ido ampliando el conocimiento en esta materia poco conocida. Por este motivo, el estudio de Antonio Palomo desde un punto de vista biográfico, y desde un análisis y conocimiento de las obras que ejecutó, es clave para una mayor comprensión a nivel general del retablo barroco y la evolución hacia un Neoclasicismo primigenio que tuvo lugar en Antequera (Málaga), donde se podrán ver los elementos comunes (materiales, ornamentación, disposición…) en aquellas obras pertenecientes a esta etapa y el desarrollo de los mismos, siempre teniendo como fuente principal y referencia las obras del propio Antonio Palomo. También, como fruto de este estudio, se constatarán las atribuciones de algunos de sus retablos e, incluso, se podrá llegar a encontrar otros que no se creían de la mano de este artista, lo que nos lleva a poder rectificar algunos de los datos que se tenían hasta el momento o ampliar el conocimiento sobre la producción retablística en esta ciudad.
Real Lopez, I. (2024). Los otros guernicas. Trea
La natividad del Museo de Bellas Artes de Valencia
En este texto, se propone realizar un análisis iconográfico e iconológico de la tabla de la Natividad del Museo de Bellas Artes de Valencia (84/2023). Esta obra, atribuida a Joan de Borgonya (doc. 1496-1525), fue adquirida por la Generalitat Valenciana en una subasta organizada por Setdart (Barcelona) el 7 de marzo de 2023. La escena principal representa a la sagrada familia, un tema ampliamente desarrollado en la pintura religiosa. Sin embargo, un examen detenido de la composición revela una estructura visual compleja. El espectador se adentra en un intrincado laberinto, donde arquitecturas, escenas secundarias, paisajes y motivos ornamentales van más allá de una mera función decorativa. Estos detalles encierran significados profundos y narrativos que requieren una análisis más completo para ser plenamente comprendidos. A pesar de la relevancia de esta obra dentro del corpus pictórico renacentista de la Corona de Aragón, hasta el momento no se ha publicado ningún estudio que aborde exhaustivamente cada uno de los elementos representados en la pintura. Para desentrañar el mensaje subyacente, este trabajo adopta un enfoque metodológico que combina la observación directa con el análisis de diversas fuentes textuales. El objetivo es interpretar el significado que el artista o su comitente desearon transmitir, un mensaje teológico centrado en la salvación de la humanidad a través del sacrificio, la penitencia y la fe en Dios.
Un proyecto fallido de los Talleres de Arte en Málaga
Durante el proceso de investigación que desde hace años hemos realizado sobre el patrimonio histórico artístico de la archicofradía de la Expiración de Málaga, encontramos casualmente el dibujo de un trono de Virgen en uno de los catálogos de los Talleres de Arte Granda disponibles en su página web. Algunos de los enseres del cortejo procesional incluidos llamaron nuestra atención al encontrar grandes similitudes con los que la corporación poseía. Conocedoras del intento de la entonces cofradía de encargar un trono procesional para su titular mariana, nos pusimos en contacto con la anterior archivera de la desaparecida Fundación Félix Granda, Emilia González Martín del Río, quien nos confirmó que en el dibujo original aparecían la datación y el destino del mencionado diseño. El trabajo de campo llevado a cabo con anterioridad, respaldado por la documentación conservada, confirma su datación y nos ayuda a contextualizar el encargo, finalmente no ejecutado. En el presente artículo estudiaremos este proyecto para la Dolorosa, fechado en 1943, del que se tenía noticia a través de la correspondencia conservada en el archivo de la actual archicofradía y que ampliaremos gracias a otros dos bocetos enviados por las responsables de los fondos documentales custodiados en la sede de los Talleres de Arte Granda. El hallazgo y estudio de estos diseños supone una nueva aportación al conocimiento del proceso de trabajo de la empresa y amplía el catálogo de las escasas piezas dedicadas a la procesión de imágenes marianas.
Alcoy i Pedrós, r., (2022). Iconografies de la justícia en l'art català medieval i modern. Grup Emac.
Nuevas aportaciones a la producción religiosa de los Gutiérrez de León
Este trabajo presenta una serie de obras inéditas adscritas a los Gutiérrez de León, una de las sagas de escultores malagueños de mayor relevancia dentro del panorama andaluz entre los siglos XVIII y XIX. Una dinastía que no solo trabajó la escultura religiosa –sobre la que incidiremos en esta investigación–, sino, también, los barros policromados y los monumentos públicos. La producción de esta familia se encuentra distribuida por toda la geografía andaluza, no quedando circunscrita al ámbito escultórico local, mostrándose así la ciudad como el gran centro productor del momento. El tipo iconográfico más cultivado por estos artistas fue la Dolorosa; las nuevas aportaciones que abordamos presentan cuatro esculturas, de candelero para vestir y realizadas para recibir culto en el ámbito privado. De esta manera, se busca poner en valor tales piezas al formar parte del catálogo indudable de los autores, al mismo tiempo que tratamos de esclarecer los grafismos argumentados por esta saga escultórica; todo ello nos permitirá profundizar en el estilo artístico, la plástica y rasgos más particulares de algunos de los miembros de la familia, así como a completar y ampliar el catálogo que viene configurándose en los últimos años.
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El héroe cotidiano es un elemento narrativo muy importante en el discurso audiovisual, que se establece como el envés del hombre inútil, una figura de raigambre literaria, específica de la modernidad y originaria de la cultura rusa del siglo XIX. Ambos son descendientes paródicos de los personajes heroicos y sabios de la literatura premoderna, y representan una resistencia frente al prosaísmo y pragmatismo impulsados por la revolución industrial. Además, su dinamismo estético y su ambivalencia moral los emparentan con una figura originaria de la literatura tradicional como es el embaucador. En el caso del cine estadounidense, se puede distinguir una fase de constitución durante la Gran Depresión; luego un giro pesimista y reflexivo con el arranque de la posguerra y una proliferación de tendencias con el cambio de siglo. Los trabajos concretos de algunos actores y actrices dan muestras del potencial de estas figuras modernas, capaces de generar una ejemplaridad cívica interclasista y de abrir la puerta al protagonismo femenino, a través de la cotidianeidad. Por otro lado, la pertenencia del héroe cotidiano a la clase media, inserta entre los grupos de poder y las clases populares, facilita su ensimismamiento y la consiguiente falta de conciencia acerca del lugar social que ocupa, así como un cierto conformismo respecto al status quo.
De Jesús Nazareno a Jesús del Gran Poder
La talla de Jesús del Gran Poder es una de las más conocidas de la imaginería barroca de Sevilla y, cabe añadir, su importancia es extensible realmente a toda la escultura española de la Edad Moderna. Por ello mismo ha sido una de las más estudiadas de Sevilla. Sin embargo, hasta ahora su advocación se ha atribuido popularmente como consecuencia de la gran devoción que despierta su imagen a los fieles o a un origen incierto a comienzos del siglo XVIII. Gracias a esta investigación se presenta cómo surgió tras un pleito mantenido por la llamada problemática de doble advocaciones a finales del siglo XVII o inicios del XVIII, debiéndose modificar su nombre. Este trabajo se divide en dos partes. Se dedica la primera de ellas a la problemática derivada por las dobles advocaciones en la ciudad de Sevilla y cómo las autoridades eclesiásticas abordaron esta cuestión mostrando algunos ejemplos localizados en el Archivo General del Arzobispado. En un segundo lugar el objetivo es analizar el expediente que aporta concretamente la información concerniente al origen de la advocación del Gran Poder y por qué fue modificada su primera denominación deteniéndonos en aquellos aspectos más reseñables para contextualizar y profundizar en la causa.
Educación histórica y narrativas alternativas a través de museos
En este artículo explicamos los fundamentos teóricos y el diseño de actividades de un Proyecto Prueba de Concepto financiado por la Agencia Estatal de Investigación. En este proyecto han participado de forma colaborativa profesorado de seis universidades españolas; gestoras y educadoras de diez museos nacionales, provinciales y redes de museos; y profesorado de Educación Secundaria de tres Comunidades Autónomas. Partimos de los cambios educativos que están experimentando los museos, reinterpretando las narrativas de sus piezas, y cambiando tanto los sujetos como los relatos. Estos cambios están conectados con las nuevas tendencias en educación histórica que plantean una enseñanza de la historia basada en pensamiento histórico (análisis e interpretación de fuentes, y la simulación del método del historiador), con competencias de conciencia histórica (reflexionando sobre las conexiones entre el pasado y el presente, las narrativas alternativas, y los patrimonios controvertidos). Además, conectamos el diseño del proyecto con las corrientes historiográficas que a mediados del siglo XX cambiaron el foco de estudio desde la trayectoria política de las instituciones o de reyes o héroes nacionales, hacia la gente corriente. El resultado han sido 11 situaciones de aprendizaje que han pivotado sobre la diversidad –sexual y de género, funcional– y la desigualdad –económica, de género, minorías sociales–, así como la violencia, las migraciones o la construcción democrática y de derechos laborales en España.
En la inmensidad de nuestra pantalla se encuentra un mundo nuevo, una sociedad sin barreras, diversa y en constante evolución, en la que la comunidad comparte todo tipo de imágenes; la convivencia interactiva es tan amplia que abarca incluso diferentes culturas y tradiciones. Por ello, el presente artículo pretende enfocar el interés en la cultura virtual a través de su folclore digital, utilizando elementos propios de esta disciplina, así como de la semiótica, argumentadas cual principales herramientas metodológicas. Nuestro objeto de estudio serán las imágenes humorísticas, específicamente los llamados memes de internet, y su papel como ‘iconos culturales’ en el folclore digital contemporáneo. Analizaremos su desarrollo en el contexto de la web 2.0, con especial atención al caso del meme de Sam Va Lentín en España. Este motivo ha marcado, año tras año, la fecha del 14 de febrero en el panorama virtual nacional, transformándose en un día donde el humor, la parodia, la sátira y la ironía asumen un papel protagonista. Este rito digital, enmarcado dentro del concepto de screenlore, ha dado lugar a variantes novedosas y originales, estableciéndose así en la memoria colectiva. Además, el estudio de los memes de internet, y en particular del citado, nos permite entender mejor la dinámica de la cultura digital y su impacto en la sociedad. A través de este análisis, esperamos contribuir a una comprensión más profunda de cómo este tipo de recursos iconográficos se integran y evolucionan dentro de las coordenadas del ciberespacio.
El palacio de los Urríes en Ayerbe (Huesca)
El palacio de los Urríes en Ayerbe (Huesca) es una casa solariega de época moderna que, a pesar de su valor histórico y artístico, apenas ha sido estudiada o incluso visitada, y es por tanto desconocida para los investigadores e incluso para la población local. Con este trabajo se pretende compilar, revisar y aumentar el conocimiento generado sobre este edificio y difundirlo, como uno de los pasos dentro de una serie de actividades que conduzcan a la protección del edificio, que está en un precario estado de conservación. La consulta de fuentes documentales, gráficas y bibliográficas se ha unido al análisis del edificio, para lo que se ha contado con técnicas como la fotografía y la generación de modelos 3D a partir de fotogrametría. Con todo ello se propone una datación para el inicio de la construcción que parte del único documento conservado, que tiene en cuenta las características formales del edificio, pero también el contexto histórico local, la posición social y carácter de sus promotores, sus usos, funciones y la audiencia a la que se dirige. Por otro lado, se parte del análisis de las fuentes gráficas para comprobar la evolución sufrida por el edificio en época moderna y contemporánea, especialmente aa las alteraciones del edificio original que han llevado a la configuración actual del edificio. Se ha podido comprobar efectivamente que los restos de la casa renacentista hoy forman parte de un edificio que es realmente un palimpsesto, construido en muy distintas épocas, por distintos promotores y para distintos usos. Sin embargo, también queda claro que es un edificio clave en la comprensión del desarrollo del arte del siglo XVI en la zona norte de Aragón.
Este artículo analiza la saga de películas rusas Brat (Brother), de Aléksei Balabánov, como artefactos culturales del periodo transicional entre la URSS y la Federación Rusa (1991-2000). Su aspecto más significativo es la construcción de un héroe ruso ejemplificador de los valores que el país seguiría en el nuevo milenio. El resultado es Danila Bagrov, tanto heredero como renovador de tradiciones literarias y cinematográficas nacionales. Se examina a este personaje y el entorno en el que transita según dos criterios: como agente heroico del cambio moral y social que Balabánov propone, y como participante de dinámicas propias del periodo en el que vio la luz. Estas dos facetas son responsables de su estatus actual en la conciencia popular rusa contemporánea: tanto una reliquia nostálgica de un periodo clave en su historia reciente y un emblema de un proyecto nacional aún en proceso. Asimismo, también se expone el análisis social que Balabánov hizo del panorama de su país; sus problemas inherentes y particularmente los peligros que presagiaba con la creciente occidentalización producto de la liberalización, asociada a la decadencia moral y cultural. En esta línea, se arguye que Brat es una contribución artística contemporánea al tradicional debate entre eslavistas y occidentalistas –vigente en el país desde hace siglos– a favor de una Rusia culturalmente independiente, unificada, poderosa y nacionalista.
La profesionalización artística femenina
Este artículo investiga el proceso de profesionalización de la artista Lolita Díaz Baliño (1905-1963) explorando sus primeros trabajos como ilustradora en las décadas de 1920 y 1930, su aportación como creadora durante el régimen franquista y su dedicación a la enseñanza en las últimas etapas de su vida. El objetivo principal es analizar las diversas dificultades que enfrentó, especialmente aquellas relacionadas con el género. Se examinarán aspectos como su formación autodidacta, su desarrollo en un territorio alejado de los principales centros de la industria cultural del país, o su crecimiento como creadora en el seno de una familia de artistas varones. Se hará hincapié en el peso de ciertos factores emocionales que influyeron en su manera de enfocar esta trayectoria, así como en las contradicciones presentes en la construcción de su identidad artística, que osciló entre una postura aparentemente favorable a la modernidad, y una adaptación e interiorización de los límites y expectativas convencionales impuestas a las mujeres artistas durante la primera mitad del siglo XX. Este análisis tiene como objetivo ofrecer una compresión más profunda acerca de los desafíos que encararon las mujeres en la profesionalización artística durante este periodo y, específicamente, de los obstáculos que complicaron la carrera individual de Díaz Baliño; esta, además, se desarrolló en una zona geográfica muy concreta: A Coruña (Galicia).
La poética de la danza es una definición que bajo la perspectiva de Laurence Louppe tiene sus raíces en una performatividad centrada en el ‘hacer’; es posible reflexionar sobre la relación entre el pensamiento, el cuerpo y la imagen identificando los puntos de confluencia de una performatividad interdisciplinaria propulsora de innovadores procesos de enseñanza y aprendizaje en las artes escénicas. La presente investigación intenta integrar de manera experimental fragmentos de un discurso académico y artístico para configurar una totalidad armoniosa y teatralizada que expone la discusión sobre prácticas y teorías de calado en la formación en artes escénicas y audiovisuales. Desde esta perspectiva, abordamos la creación artística través de una propuesta asociada a una lectura dramatizada donde incluimos la noción de lo corporal como la parte que integraría la teatralización de un texto y su disertación teórica en tanto acontecimiento escénico en movimiento; a este lo llamamos de manera homónima al texto de Marguerite Yourcenar: Clitemnestra o el crimen (1992). El presente artículo es un primer informe abocado a la reflexión sobre teorías estéticas y pedagogías de prácticas productoras de sentido y pertinencia en el espacio universitario. A través de diversas formas de interacción entre la danza, el teatro y la imagen –centradas en la improvisación y la intuición como canales ‘artivistas’ que integran–, la dimensión performativa interactiva potencia el texto dramático y su reflexión más allá de la estereotipada imagen femenina y de los códigos tradicionales de las artes escénicas. Un futuro y segundo artículo escrito por la intérprete y quién suscribe culminará en la descripción minuciosa del proceso y su transformación al audiovisual. Esta lectura corporal dramatizada no ilustra la realidad ni la describe, sino que la atraviesa con el fin de crear nuevos significados.
Una aproximación a la imagen de la muerte en el Pueblo Gitano
Este trabajo es un acercamiento a la imagen de la muerte en el Pueblo Gitano a través de sus tumbas. A partir del caso de los cementerios de Zamora, Benavente y Toro, núcleos de población donde se concentra la población gitana en la provincia de Zamora, se abordará, por un lado, que el poder de las imágenes y el uso de las mismas tiene una enorme trascendencia en el ámbito funerario del mundo gitano. Influidas por el enorme peso que recibe la religión evangélica, los sepulcros gitanos se ven contaminadas de imágenes, si bien no siempre recurren a la figuración. Por otro lado, la importancia que cobra el sepulcro en la cotidianidad de la vida gitana resulta fundamental, puesto que, además de recibir la visita frecuente a la misma, en torno a ella se desarrollan una serie de rituales de carácter casi doméstico que obligan a su mantenimiento y conservación. La mirada externa califica a estos enterramientos como objetos de mal gusto adhiriéndose, en consecuencia, a la estética del kitsch, si bien la intención de los gitanos que encargan no parece estar en consonancia con ningún esquema visual ni paradigma estilístico, aunque hay elementos de carácter simbólico que entroncan con ciertas manifestaciones del kitsch.
A pesar de que durante su vida y parte del presente las obras de la pintora sueca Hilma af Klint (1862-1944) han pasado desapercibidas, en las últimas décadas su figura ha experimentado un resurgimiento, siendo objeto de exposiciones y estudios que la reconocen como pionera del arte abstracto. Se tratará su figura en aras de esclarecer por qué, a pesar de haber creado obras abstractas con anterioridad a 1910, no es la artista sueca la encargada de portar el título como pionera de la abstracción, recayendo este mérito en el pintor ruso Vasili Kandinsky (1866-1944). Su obra pictórica se gestó en las postrimerías del siglo XIX y principios del XX. Af Klint fue una artista que desafió las convenciones de su época fusionando el arte con la espiritualidad, por ello se analizará la importancia del esoterismo en su obra, así como la importancia de este en manifestaciones coetáneas y anteriores. Será de especial interés su relación y pertenencia al grupo espiritista de Las Cinco (De Fem). Durante su pertenencia a dicho grupo se le encargó la tarea de llevar a cabo su serie pictórica más conocida, las Pinturas para el Templo, colección que comprende más de 190 obras creadas a partir de 1906.
La música religiosa en Málaga en la segunda mitad del S. XIX
La investigación musicológica ha soslayado la figura de Juan Cansino Antolínez (1826 ca. - 1897) al ser eclipsada por su coetáneo Eduardo Ocón y Rivas (1833-1901), fundador del conservatorio de Málaga y de su Sociedad Filarmónica. Recientes aportaciones ajenas al ámbito científico, sin embargo, han puesto de manifiesto la importancia de su perfil profesional como compositor de obras tanto sacras como profanas, además de su faceta pedagógica y su intermitente –pero dilatada en el tiempo–, vinculación con la catedral de Málaga como organista. El presente artículo pretende acercar este autor a la comunidad científica estableciendo una primera aproximación biográfica del autor, analizando algunos de los hitos de su carrera profesional y artística, ofreciendo una aproximación a su actividad en el ámbito de las corporaciones penitenciales de Málaga y describiendo el ambiente que rodeó al estreno de su Stabat Mater de 1854, recientemente grabado por la Orquesta Filarmónica de Málaga. Para ello, se ofrece una serie de referencias documentales inéditas del archivo de la catedral de Málaga y de la prensa local de la segunda mitad del siglo XIX que revelan a Juan Cansino como un compositor determinante a la hora de completar el panorama musical de la ciudad.
El “Teatro de la Crueldad” De Antonin Artaud
El presente artículo examina la teoría y el legado teatral del reconocido dramaturgo y director escénico francés, Antonin Artaud (1896-1948), tomando como objeto de estudio su manifiesto El teatro y su doble (1938), ensayo esencial para comprender su pensamiento. En su trayectoria artística, Artaud tenía como objetivo la búsqueda de un marco teatral que trascendiera la palabra y quebrantara las convenciones tradicionales de occidente, sumergiéndose en las profundidades de la experiencia humana. Para ello, el artista traspasará fronteras, inspirándose en otras tradiciones teatrales de origen oriental, las cuales dieron lugar a una corriente crítica alrededor de su teoría como proyecto orientalista. No obstante, estas influencias obtuvieron como resultado su teoría más relevante, el Teatro de la Crueldad, una nueva forma de comprender el espacio teatral cuyo desarrollo basa todas sus energías en buscar un reencuentro entre el cuerpo y el espíritu del ser humano a través del movimiento. En este contexto, el teatro balinés será la principal inspiración del autor. No obstante, son muchas las características que esta forma teatral comparte con otras tradiciones de Asia Oriental como la de Corea. Por lo tanto, este estudio pretende, a partir del análisis del manifiesto El teatro y su doble del artista Antonin Artaud, incluir un nuevo enfoque en su teoría, situando el teatro coreano como un nuevo referente cultural en lo que a los Estudios de Arte de Asia Oriental se refiere.
Molina Figueras, Joan (Ed.). (2023). El espejo perdido. Judíos y conversos en la España medieval, [Catálogo de Exposición]. Museo Nacional del Prado, Museo Nacional d’Art de Catalunya. ISBN: 978-84-8480-601-1.
Fernande Olivier and Pablo Picasso’s advance towards cubism
Marina Picasso wrote about her grandfather’s relationship with his female companions that he «bewitched them, ingested them, and crushed them onto his canvas» (Picasso, 2001, p. 180). What she did not take into account is the fact that those women played a vital role in his creative process, often bringing about major shifts in his career. While we in no way condone his behavior towards the opposite sex, this article concentrates on the crucial impact one of his early life partners, Fernande Olivier, had on his oeuvre as he advanced towards Cubism. Picasso’s style changed as he started living with her in the Bateau-Lavoir, leading to the well-known Rose Period. Fernande’s transformative influence would continue and reach high points during two trips they took together to Spain. As is well known, the young Picasso traveled back home whenever he prepared for a major change in his style. This was definitely the case for these two visits to Gósol in 1906 and Horta in 1909. The first one led to the development of the so-called Iberian period in which Picasso progressively focused on the use of masks, applying them first to Fernande’s features. She would be equally central during their second stay in Spain, when Picasso developed Geometrical Cubism. Again, he projected his discovery onto his companion, as he attempted to merge painting and sculpture when capturing her figure in his canvases.
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Appropriations, survivances et mémoire culturelle dans la céramique de Picasso
Ce texte explore et analyse comment Picasso réussit à activer la mémoire culturelle dans son dialogue avec le public. Par son art, l’artiste réactualise des significations qui ont chargé l’imaginaire humain depuis l’Antiquité. L’étude des céramiques figuratives constituées de volumes dans lesquelles la mémoire de la fonction de l’objet reste inscrite, montre la manière dont Picasso parvient à unir les arts préhistoriques, antiques et extra-européens avec l’art traditionnel populaire méditerranéen. Appropriations de toutes sortes, survivances de l’antiquité, allusions à des cultures vernaculaires, ainsi qu’une sensibilité et une empathie pour des cultures non-occidentales jouent un rôle déterminant. Picasso ancre ses créations céramiques dans la mémoire collective, en activant les images qui y sont stockées, par un renouvellement et par la transposition à l’art moderne d’un répertoire ancien avec une portée universelle. Ainsi, il crée une interaction entre ce que l’observateur voit, ce qu’il imagine et ce dont il se souvient.
The 50th year of Picasso’s death affords an opportunity to look again at his approach to art. My article reconsiders his Suite Vollard (1930-37), a series of 100 prints that are habitually described as somehow at odds with modernism, as representative of a legitimately ‘naturalistic’ or ‘traditional style’, and having almost nothing to do with his earlier ‘mode(s)’ of working. As demonstrated, however, the shifting, fragmented and equivocating nature of his print portfolio indicates a far more hybrid form of creativity. It is akin, for example, to the hybridizations of the artist’s Demoiselles d’Avignon (1907) and his collages and papiers collés c. 1912. As such, I resist the tendency to view Picasso’s print series through the rather monocular lens of a definitively ‘classical’ or ‘neo-classical’ style’. In trying to unsettle and reframe the languages and constructs that have consistently plagued Picasso’s Suite, I suggest that its 100 plates are part of a wider stratagem to undo the commonplace occurrences that have always defined the histories of art.
Hacia una revisión del concepto “Picasso clásico” (1915-1923)
El presente estudio tratará de determinar la consagración del concepto “Picasso clásico” asociado a la obra realizada por el artista entre los años 1914 y 1923. Esta idea fue defendida por Anthony Blunt y Phoebe Pool en la década de 1960, autores que encontraban en la obra del artista malagueño ciertas alusiones a obras clásicas o clasicistas, esto les permitía encuadrar dicha obra en el movimiento del retorno al orden. Estas ideas se fundamentaban en el trabajo de Alfred Barr y en la revista Cahiers d’art editada por Christian Zervos. Trataremos lo que cada uno de estos autores entiende por “Picasso clásico”, tanto en el aspecto formal, como en el aspecto temático e iconográfico. Finalmente, contrapondremos sus ideas a teorías más recientes defendidas por autores como Palau i Fabre o Elizabeth Cowling, quienes a partir de la década de 1990 comenzaron a advertir en la obra del artista elementos subjetivos que se alejaban del ideal clásico, a la vez que defendían la prolongación de su estilo cubista en los trabajos de esos años. Así, el presente estudio, tiene como objetivo presentar un Picasso múltiple y diverso durante la etapa planteada, capaz de trabajar poéticas contrapuestas, empleando siempre un lenguaje innovador que estaba muy lejos de responder a una imitación de los cánones clásicos.