Introducción
El discurso curatorial de la 15.ª edición de la Bienal de Gwangju (Corea del Sur), celebrada del 7 de septiembre al 1 de diciembre de 2024, tenía por título Pansori: A Soundscape of the 21st Century. La elección del término Pansori para titular esta edición revela una ambición curatorial que va más allá de una simple referencia a la tradición cultural coreana. El Pansori es una forma de representación musical con un fuerte carácter dramático que es interpretado por un cantante y un tambor. Los espectáculos se caracterizan por usar indistintamente un lenguaje rural mezclado con expresiones cultas y pueden durar hasta ocho horas. En coreano, este término quiere decir literalmente el ruido del lugar público o también podría entenderse como la voz de los subalternos. Con esta propuesta, el curador de la edición, Nicolas Bourriaud, propone una reflexión profunda sobre la naturaleza del arte y su papel en la sociedad, líneas teóricas que el autor plasmó en su reciente ensayo Inclusiones: estética del capitaloceno (2020). La noción de espacio relacional, central en la obra de Bourriaud, encuentra en el Pansori un eco poderoso debido a su carácter performativo, su improvisación y su capacidad para conectar con un público amplio.
En la compleja trama del arte de la contemporaneidad global las bienales internacionales emergen como plataformas cruciales para la presentación y discusión de nuevas ideas y prácticas artísticas. Estos eventos multidisciplinarios, que se celebran bienalmente en distintas ciudades del mundo, no solo exhiben obras de arte, sino que también articulan discursos y narrativas que moldean nuestra comprensión del arte actual.
El lenguaje utilizado en los textos curatoriales se erige como una herramienta poderosa que moldea la percepción del público y favorece la investigación académica en torno a la creación artística (Chan y Gillings, 2024). Al analizar de manera sistemática el léxico, las metáforas y las narrativas presentes en los textos curatoriales de bienales de todo el mundo, es posible desvelar las tendencias, los debates y los intereses que subyacen a la producción artística contemporánea.
Este artículo muestra el análisis lexicográfico de los textos curatoriales de una selección de bienales internacionales con el objetivo de identificar los patrones lingüísticos y los temas recurrentes que caracterizan este tipo de discurso. A través de un análisis detallado del lenguaje empleado, se ha buscado comprender cómo los comisarios construyen significados, cómo posicionan las obras de arte en relación con contextos históricos y sociales más amplios y cómo influyen en la recepción del público.
Al explorar el lenguaje de los textos curatoriales, este estudio contribuye a varios campos de investigación. En primer lugar, permite profundizar en la comprensión de las prácticas curatoriales contemporáneas y en el papel que desempeñan los comisarios en la configuración del campo artístico. En segundo lugar, el análisis del discurso basado en corpus (Partington, Duguid y Taylor, 2013) facilita la identificación de nuevas tendencias y debates en el arte contemporáneo, lo que a su vez puede informar la investigación en áreas como la historia del arte, la teoría crítica y los estudios culturales. Finalmente, este estudio ofrece una metodología que puede ser aplicada a otros corpus de textos artísticos, contribuyendo así al desarrollo de nuevas herramientas para el análisis cualitativo y cuantitativo de datos textuales en el campo de los estudios artísticos.
En las siguientes secciones, presentaremos la metodología empleada en este estudio, los resultados obtenidos y una discusión en profundidad de las implicaciones de nuestros hallazgos.
Estado de la cuestión y objetivos
El anuncio público del equipo curatorial encargado de una nueva edición de bienal se ha convertido en un acontecimiento que genera una gran expectación en el mundo del arte contemporáneo. La revelación de los nombres encargados de configurar el discurso expositivo es recibida como un acontecimiento casi profético, anticipando las tendencias estéticas y las reflexiones críticas que dominarán la escena artística en los próximos meses. El curador o el equipo curatorial, en su papel de arquitecto de significados, asumen la compleja tarea de construir una narrativa coherente y persuasiva que no solo seleccione y organice las obras, sino que también las contextualice y les otorgue un sentido de conjunto. Según se ha planteado en estudios recientes (Labella, 2021), el relato curatorial que acompaña estas exposiciones funciona como una lente a través de la cual se filtran y se articulan las claves que definen el arte global: lenguajes formales en transformación, enfoques conceptuales emergentes y horizontes culturales que configuran el escenario de la creación en la contemporaneidad global. La sociología del arte, con autores como Bourdieu a la cabeza, ha destacado cómo estas concepciones, especialmente en el contexto de las bienales, no son neutras, sino que están profundamente arraigadas en las estructuras de poder y en las dinámicas sociales que subyacen al mundo del arte contemporáneo. Las bienales, además de actuar como catalizadores para el desarrollo de las escenas artísticas locales, ya que congregan a artistas principalmente de la región (Zarobell, 2021), reflejan las dinámicas geopolíticas, económicas y culturales del momento, tendencias y comportamientos minuciosamente analizados y expuestos en el ensayo Biennials, Triennials and Documenta realizado por Charles Green y Anthony Gardner (2016).
Las bienales se han convertido en un campo de batalla ideológico donde se disputan las hegemonías culturales y se negocian los significados de las obras de arte. Los curadores, como agentes activos en este proceso, desempeñan un papel crucial en la construcción de los relatos dominantes y en la legitimación de ciertos discursos artísticos. Es evidente que la figura del curador ha adquirido una relevancia inusitada en el arte contemporáneo. Además, los curadores de las bienales de arte no son ajenos a los circuitos de las instituciones museísticas o el mercado privado, ya que suelen ser los mismos especialistas que, debido a su naturaleza más dinámica, aprovechan el formato bienal para experimentar fórmulas arriesgadas y experimentales.
La proliferación de bienales, que asciende a cerca de 300 ediciones activas a nivel mundial a la fecha de redacción del presente artículo, ha generado una producción masiva de discursos curatoriales. Esta abundancia de textos, que se renueva cada dos años con la programación de nuevas ediciones, representa un desafío considerable para los investigadores del arte contemporáneo. El volumen de documentos, que abarca diversas perspectivas y contextos, exige el desarrollo y la aplicación de técnicas de análisis de textos basadas en herramientas digitales. Estas herramientas permiten procesar grandes volúmenes de datos textuales, identificar patrones, extraer información relevante y construir bases de datos más robustas. Al aplicar técnicas avanzadas de análisis de texto, como la lexicometría, es posible desentrañar las estructuras discursivas subyacentes a estos textos y, así, cartografiar los itinerarios conceptuales y estéticos que configuran el panorama del arte contemporáneo a nivel global. Una de las investigaciones más próximas a la presente es la realizada por Henk Roose, Willem Roose y Stijn Daenekindt (2018). En dicho estudio se realiza un análisis del arte contemporáneo a partir de técnicas de modelado de temas para explorar un corpus de artículos de la revista Frieze, identificando así las tendencias y debates dominantes en el discurso crítico sobre el arte contemporáneo. Otro estudio destacado es el de Mike Bowman (2023) que realizó una investigación sobre los intereses artísticos a partir del lenguaje utilizado en los títulos de las obras de arte estudiando los metadatos de más de 170 000 obras de las colecciones en línea de 133 museos de arte en 30 países. Sin embargo, estos estudios se han centrado principalmente en el análisis de la crítica de arte o los títulos de las obras de arte. Finalmente, Kompatsiaris (2020) observó que los textos curatoriales emplean un lenguaje estratégico para atraer tanto al público masivo como al especializado, fusionando vocabularios expertos y populares para generar una sensación de singularidad y originalidad. Este enfoque puede aumentar el compromiso del público al hacer que el contenido sea más accesible y comprensible para una audiencia más amplia.
La presente investigación amplía este enfoque al explorar con mayor amplitud los textos curatoriales de las bienales, permitiendo analizar cómo los curadores construyen narrativas y legitiman ciertas prácticas artísticas. Al comparar los resultados con los obtenidos por Roose et al (2018), se identifican tanto las continuidades como las discontinuidades en el discurso sobre el arte contemporáneo a lo largo del tiempo.
En definitiva, el análisis de los textos curatoriales permite comprender cómo se construyen los significados en el arte contemporáneo y cómo estos significados se relacionan con las dinámicas sociales, políticas y culturales de nuestro siglo. Al adoptar una perspectiva interdisciplinar se desarrolla una comprensión más profunda y matizada del papel que desempeña el arte en la sociedad contemporánea. Esta perspectiva no solo nos permite desentrañar las estrategias discursivas utilizadas por los curadores, sino también identificar las tensiones y contradicciones que subyacen a las prácticas artísticas contemporáneas, así como las posibilidades de transformación y resistencia que estas prácticas pueden ofrecer.
El objetivo principal de esta investigación es desarrollar una metodología rigurosa para analizar los textos curatoriales de las bienales internacionales. A través del análisis lexicométrico de palabras clave, se han identificado los patrones lingüísticos, las temáticas recurrentes y las estructuras discursivas subyacentes a estos textos (Baker, 2018). Esperamos que los resultados de este estudio contribuyan a una mejor comprensión de cómo se construyen los significados en el arte contemporáneo y cómo estos significados se relacionan con las dinámicas sociales, políticas y culturales de nuestro tiempo. Asimismo, este trabajo sienta las bases para futuras investigaciones en el campo de los estudios artísticos, al demostrar el potencial de las herramientas digitales para analizar grandes volúmenes de datos textuales.
Metodología
Descripción del corpus
Para realizar el análisis lexicográfico se ha recopilado el Corpus de Bienales. Se trata de un corpus especializado compuesto por textos curatoriales provenientes de las webs de 23 bienales internacionales que tuvieron lugar entre 2007 y 2024, seleccionadas de manera estratégica para garantizar una representación geográfica y temporal amplia. La colección se compone de 126 documentos, uno por cada edición, en lengua inglesa [1]. Contiene un total de 134 616 tókenes [2], palabras, números y signos de puntuación, y 116 458 palabras distribuidas en 4385 oraciones.
La selección de bienales se realizó siguiendo criterios de relevancia y representatividad (McEnery, Xiao y Tono, 2010), priorizando aquellas con un impacto destacado en el panorama artístico internacional. Para lograr una distribución geográfica equilibrada, se consideró la influencia de cada región en el sistema global del arte. Esto resultó en una mayor presencia de bienales en Europa, América del Norte y Asia, y en una menor representación de eventos en África, América Latina y Oriente Medio, en función de su participación en el circuito artístico internacional.
Procedimiento de análisis léxico y temporal
Se ha empleado una metodología de lingüística de corpus aplicada al estudio lexicográfico diacrónico, con el fin de observar las variaciones temporales en el uso del léxico. El análisis del léxico curatorial se ha llevado a cabo mediante la herramienta Tendencias (Trends) de Sketch Engine (Kilgarriff et al. 2014; 2015), una suite web que permite analizar grandes corpus mediante distintas técnicas estadísticas.
La búsqueda de tendencias constituye un caso específico de análisis de palabras clave (keywords). Las palabras clave son unidades léxicas estadísticamente representativas de un corpus y que ofrecen una panorámica de los marcos y temáticas abordadas. En el análisis diacrónico, en cambio, emergen las palabras cuyo uso ha variado significativamente a lo largo del tiempo. La herramienta compara las frecuencias relativas anuales mediante varios modelos estadísticos evaluando cada palabra la significancia de su variación temporal. Para garantizar la replicabilidad del experimento se indican los ajustes empleados: tendencias en ascenso, palabra, frecuencia mínima: 10, Main-Kendall Theil Seinn; p-valor>0,05.
Como resultado, se obtiene una lista con una puntuación general (overall score) que muestra las tendencias al alza o a la baja en la serie temporal (2007-2024) y el p-valor muestra tanto la significancia estadística como el grado de variación. Frecuencia indica el número de hallazgos de cada palabra en el corpus.
Para facilitar el análisis, los términos se clasificaron en diversas categorías temáticas, lo que permitió organizar y comprender mejor las tendencias léxicas en contextos curatoriales. Para ilustrar estos hallazgos, se identificaron oraciones ejemplares extraídas del corpus y se seleccionaron obras representativas expuestas en bienales recientes. Estos ejemplos y obras sirven para contextualizar los términos clave dentro de las narrativas curatoriales, ofreciendo una visión clara de cómo los temas han evolucionado y resonado en el ámbito del arte contemporáneo a lo largo de la serie temporal.
Análisis de datos
Tras procesar los textos con Trends de Sketch Engine, seleccionamos las 50 palabras con el mayor incremento significativo en su uso a lo largo de la línea temporal del corpus [3 y Tabla 1]. Se ha realizado una clasificación manual de estas palabras clave englobando estas en siete categorías principales.
La primera categoría se ha denominado Naturaleza y Ecología, la cual se comprende de las siguientes palabras, todas ellas con tendencia positiva: earth, plants, species, ecology/ecological, environment/al y water. A la vista de los resultados se verifica que hay un interés creciente en el uso de vocabulario relacionado con el medio ambiente y la naturaleza. Tomando la palabra clave earth «tierra» como la más significativa, veremos algunos ejemplos. Durante los veinte últimos años, el discurso curatorial y las distintas bienales han incorporado la emergente preocupación por el cambio climático y el papel del artista contemporáneo durante el Antropoceno (ejemplos 1 y 2). Coocurrencias como crisis y challenges sugieren que la conciencia sobre el cambio climático ha impulsado el uso de earth en contextos críticos y urgentes.
1. Bodies of Water ask us to examine this living collectivity at a time when the earth is facing unprecedented challenges, from the accelerating climate crisis to the current global pandemic (Bienal de Shanghái, 2021).
2. In this Anthropocene era–created by human-engineered interventions in earth, water, and air–exploration of 21st-century relationships between humans and nature seemed fertile territory for Biennale artists and audiences» (Bienal Bonavista, 2017).
Por otro lado, existen varias menciones (ejemplo 3) asociadas a conceptos relacionados con la espiritualidad y la tradición y conectan la tierra con aspectos espirituales o culturales, como en la cultura mongola y en narrativas sobre la conexión entre el cielo y la tierra. La mirada del discurso curatorial, en este contexto, no ve la tierra como un recurso, sino como un espacio sagrado vinculado a valores medioambientales.
3. The fireplace, that is usually located in the middle of the portable round tents in which Mongolian people used to live for centuries, the Ger, is one of the meeting points between the earth and the axis of the three worlds (Bienal de Mongolia, 2016).
Como ejemplo para reflexionar sobre el uso de los términos señalados en esta categoría y la relación con las obras de arte expuestas, se destaca la edición de la bienal Manif d’Art celebrada en el año 2024 con el título Les forces du sommeil. Cohabitations des vivant. Según el planteamiento curatorial, esta edición puso el foco en la denuncia de la explotación del cuerpo y la imposición de los ritmos de vida impuestos por el capitalismo. La muestra invitaba a cuestionar la cultura del rendimiento constante y a valorar la importancia de los valores medioambientales como herramientas de resistencia y transformación social. Las ideas que vertebraban la edición se materializaban en la obra de la artista Elodie Pong (véase [4]), titulada Does the world look greener through green eyes? (2024). Con esta obra Pong subvierte el significado social del adoquín, tradicionalmente asociado a la construcción y la protesta, para crear un artefacto que cuestiona nuestra relación con el entorno urbano. Al resignificar mediante elementos naturales un espacio artificial, la artista invita a repensar la coexistencia entre el ser humano y la naturaleza.
Durante la pandemia del COVID, se observaron usos de la palabra (ejemplo 4) que referencian este contexto en el cual la tierra pareció «detenerse» debido a los confinamientos llevados a cabo en 2020. Esto podría relacionarse con un incremento de la atención hacia la tierra en un sentido de hogar compartido global y vulnerabilidad distribuida.
4. When the coronavirus pandemic hit the European fortress several months ago, it felt for a moment that the earth wanted to stand still (Bienal de Berlín, 2020).
La segunda categoría la hemos titulado Colectividad y Redes, compuesta por términos como activism, collective, communities, networks, solidarity y connections. Todos estos términos muestran una tendencia positiva de uso. A lo largo de los últimos años, se ha observado un crecimiento significativo en el uso de vocabulario relacionado con la cooperación y las estructuras colectivas dentro del ámbito artístico. La tendencia creciente del uso de estos términos refleja el cambio hacia la valorización de las interacciones y conexiones dentro de la comunidad creativa. Durante este tiempo, los discursos curatoriales de las bienales han mostrado un interés creciente por explorar formas de colaboración comunitarias horizontales, distribuidas y rizomáticas. Como sugiere el concepto de rizoma de Deleuze y Guattari (1980), el arte y las redes sociales se despliegan en un crecimiento horizontal, sin una estructura jerárquica, sino mediante una interconexión de manera no lineal, lo que genera nuevas formas de cooperación y participación.
Esta categoría se observa en algunos ejemplos aleatorios extraídos del corpus que ilustran cómo el arte contemporáneo y las prácticas curatoriales están cada vez más comprometidas con la construcción de redes de colaboración con el entorno y sus problemáticas en torno a temas como el razonamiento colectivo (ejemplo 5), el apoyo a movimientos sociales (ejemplo 6), la resiliencia urbana (ejemplo 7) y la solidaridad transnacional (ejemplo 8). Este cambio sugiere una transformación en el papel del arte y los creadores: ya no solo como una expresión individual o estética, sino como un medio de acción social y una herramienta para generar conciencia y fomentar cambios en diversas esferas, extendiéndose más allá de los límites tradicionales del arte para integrarse en luchas comunitarias y esfuerzos globales de justicia y sostenibilidad.
5. We aspire for art to point out new paths of collective reasoning and for its realizations to offer, from the confrontation of different creative and circulation models, a greater rapprochement between audiences, localities and levels of experience (Bienal de La Habana, 2019).
6. Ayşe Güleç, through her involvement in previous editions of documenta and her long commitment to activism work in Kassel communities, is a perfect fit (documenta, 2017).
7. How are artists striving to embed their works in the world around them through incursions into media and activism ? (New Museum Triennial, 2014).
8. It will convene artists to think beyond human-centered and nation-based narratives and to explore forms of fluid solidarity (Bienal de Shanghái, 2021).
Activism es la palabra con mayor crecimiento en tendencias léxicas y emerge como una categoría transversal que atraviesa las distintas clasificaciones temáticas en los discursos y permea otras clasificaciones como la ecología, la tecnología y el futuro, entre otras. En bienales recientes, como la 23ª Bienal de Sídney de 2022 titulada rīvus y que tuvo como curador a José Roca, el activismo no solo se manifiesta en la denuncia de problemáticas globales, sino también en la práctica artística misma, exhibiéndose obras en las que los artistas incorporan sus visiones políticas y sociales. Proyectos como Disobedience Archive de Marco Scotini, por ejemplo, demuestran cómo el activismo se entrelaza con la práctica artística para cuestionar y reinterpretar la cultura material, utilizando el arte como medio de exploración en temas de desobediencia de género y diáspora. El enfoque expande los límites de las creencias del espectador al involucrar temas críticos y conflictos sociales contemporáneos, tales como el racismo sistémico, la justicia climática y la economía sostenible. En última instancia, el activismo refuerza la función del arte como un espacio para la reflexión y el cambio social, impulsando nuevas formas de interpretación y agencia que resuenan en múltiples categorías curatoriales.
Por último, en relación con esta categoría, se pone como ejemplo la edición de la 12ª Bienal de Berlín del año 2022 que se inauguró con el título Still Present!. La dirección corrió a cargo del artista y comisario Kader Attia, quien alertaba de la alienación y el control que ejerce el capitalismo sobre nuestras vidas, especialmente a través de la tecnología y la gobernanza algorítmica, proponiendo una alternativa: el arte y la construcción de redes humanas y sociales. El discurso curatorial reunía obras que eran una llamada a la acción, invitándonos a reimaginar nuestras relaciones con nosotros mismos, con los demás y con el mundo que nos rodea. Como ejemplo cabe destacar la instalación creada por el colectivo iniciado en Dakar en 2018 The School of Mutants (véase Figura 5). Este colectivo está inspirado por el proyecto University of Mutants, fundada en Gorée, Senegal, en 1977, que surgió con la voluntad de crear una enseñanza no jerárquica y la descolonización de las epistemes académicas. En la actualidad se presenta como una plataforma de arte e investigación que propone nuevos modelos de aprendizaje y conocimiento. A través de una práctica nómada y colaborativa, el colectivo reexamina las estructuras de poder y cuestiona las jerarquías académicas, invitándonos a imaginar futuros más justos y equitativos mediante la producción de obras de vídeo, publicaciones, asambleas y collective learning situations.
La tercera categoría se ha denominado Especulación y Futuro e incluye términos como possibility, models, propose, continues, forces, histories, narratives, beyond, interaction y dynamic. Esta categoría presenta una tendencia ascendente, reflejando un interés cada vez mayor en imaginar futuros alternativos y en proyectar posibilidades que desafíen el presente. La palabra clave possibility «posibilidad» se destaca aquí, sugiriendo un espacio abierto para construir caminos innovadores en el ámbito artístico.
Como se puede observar en los ejemplos seleccionados, en los últimos años los discursos curatoriales comenzaron a explorar narrativas que no solo representan el arte como un reflejo de la realidad actual, sino como una fuerza que anticipa y moldea futuros diversos (ejemplo 9). Como en el rizoma, esta tendencia conecta conceptos de forma expansiva y no lineal, yendo «más allá» (beyond) de los límites de la práctica artística tradicional (ejemplo 10). La interacción entre diversas disciplinas y la fluidez de estos modelos crean un campo especulativo dinámico donde el arte se redefine continuamente (ejemplo 11), explorando historias pasadas e imaginando posibilidades futuras (ejemplo 12).
9. Chakasim’s placement takes these pieces of history as dynamic, interconnected forces that are not quietly resting in the past, in the ground or on the page (Bienal de Bonavista, 2023).
10. Art is the last bastion, a garden to cultivate above and beyond trends and personal interests (Bienal de Venecia, 2019).
11. Meanwhile, the artist continues to define himself in relation to the history of art, just as he has always done (Bienal de Venecia, 2009).
12. Artists invent methods of unlearning, borrow narratives from the sciences, question historical art projects and simply study from scratch what we can see with our bare eyes (Bienal de Mongolia, 2014).
La categoría dedicada a la especulación y futuro, posee una buena representación de estos términos dentro de los diferentes textos curatoriales de las ediciones seleccionadas para el presente estudio. Como ejemplo se destaca la 14.º edición de La Bienal de Sharjah que se celebró en el año 2019 con el título Leaving the Echo Chamber. La edición estaba dividida en tres exposiciones comisariadas por los curadores Zoe Butt, Omar Kholeif y Claire Tancons, y el discurso curatorial presentaba una crítica incisiva a las estructuras de poder y a las narrativas dominantes que conforman nuestra realidad. Al explorar temas como la historia, la identidad y la justicia social, la muestra exhibía obras que invitaban al espectador a cuestionar las normas establecidas y a buscar nuevas formas de entender el mundo, desafiando el concepto de echo chamber «cámara de eco» y ofreciendo un espacio para la reflexión y la transformación. Una de las propuestas que se exhibieron fue la instalación inmersiva R for Resonance del artista Ho Tzu Nyen (véase Figura 6). La pieza nos sumerge en una experiencia sensorial y políticamente cargada que nos invita a reimaginar las posibilidades del pasado y el futuro. A través de la realidad virtual, el artista explora las resonancias profundas del gong, un instrumento que conecta lo sagrado con lo profano, lo individual con lo colectivo. Al vincular el gong con la historia colonial y las dinámicas de poder, Ho invita al espectador a reflexionar sobre cómo el pasado continúa resonando en el presente. Más allá de ser un mero objeto, el gong se convierte en un catalizador de conocimiento, un punto de partida para explorar las múltiples posibilidades que se abren ante nosotros e imaginar futuros alternativos, donde el conocimiento se convierte en una herramienta para la transformación social.
Otras narrativas
Además de las narrativas dominantes que se han enunciado anteriormente, el análisis ha revelado una rica diversidad de discursos que, aunque con menor frecuencia, aportan matices y perspectivas únicas al panorama artístico contemporáneo. Estas voces emergentes, al margen de las tendencias dominantes, ofrecen una visión fresca y desafiante de las prácticas artísticas actuales, y sugieren la existencia de corrientes subyacentes. A continuación se presentan de forma sucinta algunos de estos discursos emergentes, que ya están siendo objeto de investigaciones específicas y cuya profundización permitirá ampliar el marco interpretativo del presente estudio.
Espiritualidad
La aparición de términos como stories, spiritual, ancient, forces o beyond en los discursos curatoriales revela un creciente interés por explorar dimensiones que trascienden lo material y lo racional en la creación artística. Esta tendencia apunta a una búsqueda de sentido y de conexión profunda que desborda las explicaciones científicas y las estructuras sociales establecidas, abriendo paso a otros modos de experiencia, conocimiento y sensibilidad.
No obstante, es importante subrayar que la espiritualidad en el arte contemporáneo no equivale a un retorno a lo religioso institucional ni a la reproducción de prácticas místicas tradicionales. Más bien, se manifiesta como una indagación subjetiva y plural, en la que se articulan experiencias individuales, relaciones con lo invisible y aproximaciones a lo sagrado entendidas desde una perspectiva abierta, crítica y no dogmática.
Esta dimensión espiritual, en expansión dentro del discurso curatorial actual, puede interpretarse como una forma de resistencia simbólica frente al materialismo dominante y como un intento de recomponer vínculos con lo ancestral, lo trascendente o lo inefable. Algunas propuestas curatoriales recientes abordan esta dimensión desde cosmovisiones no occidentales, lo que permite ampliar el horizonte conceptual desde el que se piensa la relación entre arte, naturaleza y espiritualidad. Tal es el caso de la edición de 2022 de la Land Art Biennial of Mongolia, titulada A Nomadic Horizon y comisariada por Maurizio Bortolotti, que propone una relectura del horizonte desde una perspectiva nómada. En esta visión, la línea que separa el cielo y la tierra no representa una frontera física, sino una relación simbólica entre dos entidades espirituales que estructuran el entorno natural en la cultura nómada. Este enfoque permite imaginar una ecología espiritual en la que el paisaje se concibe como espacio de conexión trascendental entre lo humano y lo cósmico, entre el presente y los saberes ancestrales (Land Art Mongolia, 2019).
Espacialidad
Una segunda narrativa emergente se vincula con la dimensión espacial del arte y su inscripción en territorios concretos. Palabras clave como territories, land, cities, borders, geographies, surroundings o displacement sugieren una atención renovada hacia los vínculos entre lugar, identidad y poder. En estos discursos curatoriales, el espacio no es entendido como un mero soporte físico, sino como una construcción social e histórica en disputa.
Numerosas propuestas recientes abordan el territorio como escenario de conflicto, memoria o pertenencia, y muestran cómo los artistas intervienen en espacios fronterizos, zonas de tránsito o geografías coloniales para visibilizar desigualdades estructurales. Un ejemplo significativo es la instalación City of Ghost (2007–2012) del artista tailandés Nipan Oranniwesna, expuesta en la Bienal de Sídney de 2012, bajo la curaduría de Catherine de Zegher y Gerald McMaster que llevó por título All our relations (véase Figura 7). La obra consiste en un extenso mapa urbano construido con polvo de talco, cuya fragilidad evoca la volatilidad de las ciudades contemporáneas y la precariedad de las vidas que las habitan. Oranniwesna traza con esta cartografía efímera una crítica silenciosa a los efectos de la globalización, proponiendo una reflexión sobre la dimensión simbólica del territorio como lugar de pérdida, tránsito e incertidumbre (Biennale of Sydney, 2012).
Lejos de concebir el espacio como un dato fijo, estas prácticas artísticas lo entienden como un campo de relaciones, donde se negocian las identidades y se disputan los significados. El territorio, en este marco, se convierte en una categoría relacional que permite leer las fracturas de nuestro tiempo y cuestionar los modos en que habitamos el mundo.
Arte y curaduría
El análisis de términos como curator, exhibition, art, independent, figure y title muestra una tendencia tanto creciente como decreciente. Aunque el término curator presenta una evolución positiva, otras palabras asociadas con las exposiciones, como art y exhibition, experimentan un leve descenso, lo que podría interpretarse como un indicio de desplazamiento hacia nuevas formas curatoriales que trascienden los formatos expositivos convencionales, explorando estructuras más experimentales, colaborativas e independientes. En este contexto, la figura del curador se ha diversificado, dando lugar a perfiles profesionales que operan en circuitos no institucionales y desarrollan proyectos que difuminan los límites entre el arte, la vida cotidiana y la acción política, mostrando una voluntad expresa de disociarse de los marcos tradicionales.
La emergencia de estos nuevos actores y prácticas ha generado un lenguaje más flexible y permeable, capaz de responder a la creciente complejidad del arte contemporáneo y a sus vínculos con lo social, lo territorial o lo comunitario. En esta línea, la 15ª Bienal de Sharjah, Thinking Historically in the Present (2023), representa un hito que encarna no solo la vigencia de estas transformaciones, sino también la importancia del pensamiento curatorial como herramienta crítica. Concebida por el influyente comisario Okwui Enwezor –considerado uno de los principales arquitectos de una curaduría global, poscolonial y desoccidentalizada–, la muestra fue realizada de manera póstuma por Hoor Al Qasimi, directora de la Fundación de Arte de Sharjah. Enwezor no solo cambió el modo en que se conciben y organizan las exposiciones internacionales, sino que redefinió los objetivos mismos del comisariado, ampliándolo hacia un ejercicio de pensamiento histórico, político y estético profundamente situado.
La propuesta curatorial, articulada en torno a la noción de «pensar históricamente en el presente», funciona como una matriz crítica desde la que repensar el papel del arte contemporáneo en la configuración del relato global. Al Qasimi asume el legado conceptual de Enwezor no como mera continuidad, sino como una reactivación desde la experiencia vivida y desde la responsabilidad institucional. La exposición traza un complejo entramado de voces, memorias, luchas y ficciones que materializa la constelación poscolonial propuesta por Enwezor, y que reafirma su legado como uno de los curadores más visionarios e influyentes de las últimas décadas (Sharjah Art Foundation, 2023).
Además, estos cambios en las tendencias lingüísticas del ámbito internacional ponen de relieve también una cuestión no resuelta en el contexto hispanohablante: el uso cada vez más extendido del término curador frente al tradicional comisario. A pesar de su implantación en el lenguaje especializado del arte contemporáneo, curador no cuenta aún con reconocimiento normativo por parte de la Real Academia Española, lo que evidencia una fricción entre la evolución del discurso profesional y la codificación institucional del lenguaje.
Tecnología e innovación
Los términos technologies, sound, dynamic, environmental y connecting muestran una tendencia claramente positiva, lo que refleja la creciente convergencia entre arte, ciencia y tecnología que está reconfigurando de forma decisiva las prácticas artísticas contemporáneas. Esta evolución no se limita a la incorporación de nuevos dispositivos técnicos, sino que transforma los marcos conceptuales y metodológicos desde los que se produce y se piensa el arte. En este sentido, la integración de tecnologías como la inteligencia artificial, el procesamiento algorítmico de datos, la realidad aumentada o la tecnología sonora, no solo amplía las posibilidades estéticas y sensoriales, sino que cuestiona la esencialidad de la creación artística misma, abriendo un campo de incertidumbre y experimentación sobre la autoría, la agencia y la subjetividad en la era posthumana.
Este cambio de paradigma también se manifiesta en la proliferación de discursos curatoriales que adoptan un enfoque más especulativo. Un ejemplo significativo de esta mutación puede encontrarse en la 10ª Bienal de Shanghái (2014), titulada Social Factory y curada por Anselm Franke. Franke propuso una reflexión crítica sobre la producción de lo social en las sociedades industrializadas, postindustriales y tecnológicamente mediadas. La exposición planteaba preguntas fundamentales sobre el modo en que las relaciones sociales son capturadas, modeladas y automatizadas por tecnologías digitales, sugiriendo una analogía entre los procesos de automatización de la fábrica industrial y la actual lógica algorítmica que regula nuestras interacciones sociales. En este sentido, la bienal no solo exploraba cómo la sociedad ha cambiado con la tecnología, sino que también nos instaba a reflexionar sobre la producción de lo social en sí mismo. Franke veía la sociedad como una fábrica en la que cada miembro representaba un tipo de marca, sugiriendo que la vida cotidiana, influida por la tecnología, se convierte en un objeto de escrutinio público, afectando la subjetividad y la cultura.
Social Factory no solo tematizaba esta mutación, sino que la encarnaba estructuralmente, dividiendo el recorrido expositivo en áreas conceptuales como Chronicles of Sentiment o The Noise and the Signal, que exploraban la producción colectiva de la subjetividad, la economía de la atención y la tensión entre información y ruido en la era de los datos masivos. El proyecto revelaba cómo el arte contemporáneo se convierte en un laboratorio de pensamiento desde el cual interrogar el impacto de las tecnologías emergentes en la vida cotidiana, el cuerpo social y las formas de gobierno, especialmente en contextos urbanos como Shanghái, donde el desarrollo acelerado se vuelve síntoma y escenario de una transformación global (Franke, 2014).
Conclusiones
El análisis lexicométrico aplicado a los discursos curatoriales de las bienales internacionales ha revelado una herramienta invaluable para desentrañar las tendencias y los cambios conceptuales que subyacen a una parte del arte contemporáneo. La emergencia de términos relacionados con la ecología, la colectividad, la tecnología y la posibilidad indica un desplazamiento hacia prácticas artísticas más comprometidas socialmente y hacia una mayor reflexión sobre el papel del arte en la sociedad, al menos en el ámbito de las bienales.
Al cuantificar y analizar la frecuencia de los términos, hemos podido identificar de manera precisa y objetiva los conceptos y las ideas que dominan el discurso curatorial actual. Esta metodología no solo nos ha permitido superar las limitaciones de los análisis cualitativos tradicionales, sino que también ha abierto nuevas vías de investigación.
Revelar las palabras clave y las estructuras discursivas subyacentes a los textos curatoriales, ha facilitado identificar patrones y tendencias que podrían pasar desapercibidos en un análisis más superficial. Esta información es crucial para comprender cómo se construyen los significados en el arte contemporáneo y cómo evolucionan a lo largo del tiempo.
Sin embargo, este estudio solo representa un primer paso. Ampliar este análisis a otras bienales, a otros tipos de exposiciones y a otros períodos históricos permitiría construir una imagen más completa de la evolución del discurso curatorial y de su relación con los cambios sociales y culturales. Además, sería interesante comparar los resultados obtenidos con otros campos de estudio, como la historia del arte, la sociología y la filosofía, para enriquecer nuestra comprensión de los fenómenos culturales contemporáneos.
En conclusión, el análisis lexicométrico se ha revelado como una herramienta poderosa para explorar las dinámicas del discurso curatorial y para comprender mejor el papel del arte en la sociedad contemporánea. Al combinar los beneficios de la precisión cuantitativa con la riqueza interpretativa de los análisis cualitativos, esta metodología abre nuevas perspectivas para la investigación en el campo de la historia del arte y los estudios culturales.